Гравюры Бернара-Ромен Жюльена: пример идеальной штриховки.

Бернар-Ромен Жюльен (фр. Bernard-Romain Julien; 16 ноября 1802 — 3 декабря 1871) — французский художник, гравёр, печатник и литограф. Его графические работы являются примером идеальной штриховки.

Портрет девушки (усл.). Гравюра - Жюльен Бернар-Ромен

Жюльен Бернар-Ромен Две кисти мужских рук (усл.). Гравюра

Жюльен Бернар-Ромен, Две кисти мужских рук (усл.). Гравюра

Кисть руки у головы и женская рука (усл.). Гравюра - Жюльен Бернар

Кисти рук (усл.). Гравюра - Жюльен Бернар-Ромен

Голова мальчика (усл.). Графика, Жюльен Бернар-Ромен

Жюльен родился 16 ноября 1802 года в городе-коммуне Байонне. Он учился рисовать в своем родном городе между 1815 и 1818 годами, прежде чем переехать в Париж, где он изучал живопись с 1822 года под руководством Антуана-Жана Гро в Школе изящных искусств.
Бернар-Ромен выставлял некоторые картины и рисунки в парижском Салоне между 1833 и 1850 годами, но в основном демонстрировал литографии, которыми он был известен. Он создал литографии других художников, таких как Cours de Dessin Джорджа Генри Холла. В 1840 году он опубликовал «Этюд в стиле мелков» .В «Доме Ландора» Эдгар Аллан По описывает работу Жюльена: «Один из этих рисунков был сценой восточной роскоши, или, скорее, сладострастия; другой был карнавальным произведением, не поддающимся сравнению; третья - греческая женская голова - лицо, божественно красивое, и все же выражения провокационно-неопределенные, никогда прежде не привлекающие моего внимания". В 1854 году он сделал портрет полного бюста Джорджа Вашингтона после Гилберта Стюарта , и литография находится в художественной коллекции Маунт-Вернон. Он вернулся в свой родной город в 1866 году и преподавал рисование там до своей смерти, 3 декабря 1871 года.

КЛАССИЧЕСКИЕ МЕТОДЫ И ТЕХНОЛОГИИ ВЫПОЛНЕНИЯ ЖИВОПИСНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ И ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ОБРАЗОВАНИЕ

«….все великое не только дар природы и времени, но зависит от нашего стремления и от нашей неутомимости» Альберти

Ян ван Эйк Портрет четы Арнольфини. 1434 Дубовая доска, масло. 81,8 × 59,7 см Лондонская национальная галереяЛондон

Объективные причины последних десятилетий привели к кризису в науке и искусстве. Проблемы затронули и высшее художественное образование. Понимая необратимость многих процессов, мы хотим верить в сохранение нашей художественной школы, приложив усилия в обучении студентов, будущих художников, классическим методам и приемам техники масляной живописи. В этом есть потребность одаренных молодых людей, обладающих творческой энергией и желающих посвятить свою жизнь искусству. Безусловно, в этом нуждается и сама школа - поднять ее уровень, престиж и есть наша задача. В данной статье мы хотим напомнить о технике старых мастеров, искусство которых, пережив века, являет нам пример художественного и технического совершенства. Цель изучения классической техники заключается в усвоении мастерских технических методов, которыми располагало большое искусство прошлого. Известно, что мастерство будущего художника в значительной мере обуславливается знанием свойств материалов и техники, живописных и творческих возможностей, заложенных в изобразительных методах классики, а также наличием воли и способностей к длительной и системной работе. Вот несколько строк из дневника Э. Делакруа : «Написать картину, довести ее от наброска до законченного состояния – это одновременно и наука, и искусство; чтобы проявить тут подлинное умение, необходим долгий опыт. Искусство постигается так медленно, что для систематизации известных принципов, которые, по существу, управляют каждой частью искусства, нужна целая жизнь. Прирожденные таланты инстинктивно находят средства выражения своих идей; у них это является сочетанием порывов и смутных поисков, сквозь которые идея проступает с еще более, может быть, своеобразной прелестью, чем в произведении умелого мастера» [1]. Следующее высказывание Д. Рейнольдса подтверждает сказанное выше: «Замысел - один из главных отличительных признаков гения; но если мы проверим это на опыте, то найдем, что мы научаемся изобретать, изучая изобретения других,- так же, как читая мысли других, мы учимся думать» [2]. Обращаясь к источникам, посвященным технологии и технике масляной живописи, таких, как «Техника масляной живописи» А.Рыбникова [3], «Техника живописи» Д.И. Киплика [4], «Технология станковой живописи» Ю.И.Гренберга [5], «Лессировка и техника классической живописи» Л. Фейнберга [6] и др., можно найти весь необходимый материал, касающийся данной проблемы. В этих работах проведен глубокий анализ материалов и живописных методов, исторических предпосылок возникновения и развития техники масляной живописи, ее высочайшего подъема в эпоху Ренессанса, приводятся сведения о самых ранних источниках и выдержки из трактатов итальянских живописцев ХV-XVIвв. (Ченнино Ченнини, Леона Батиста Альберти, Джорджо Вазари, Рафаэля Боргини, Джовани Батиста Арменини и др.), испанских живописцев XVII в. (Франсиско Пачеко6 и Антонио Паломино), голландского живописца Карель ван Мандера, и, наконец, Теодора Тюрке де Майерна, обобщившем сведения о живописи периода расцвета фламандского искусства [5].

В эпоху Возрождения были разработаны все наилучшие технические приемы масляной живописи. Обладание накопленными знаниями свойств материала позволило старым мастерам создать непревзойденный по гармонии, между материалом и художественными достижениями, стиль масляной живописи.

«Мадо́нна Ли́тта» — картина из собрания Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге, традиционно атрибутируемая как произведение итальянского художника и учёного эпохи Высокого Возрождения Леонардо да Винчи.

Впервые новый живописный метод был открыт во Фландрии Ян ван Эйком. Это открытие ознаменовало начало новой живописной эпохи. «Ван Эйк открывает новое связующее и создает новый технический метод, Леонардо создает новую теорию живописи – науки, и Тициан соединяет теоретические построения Леонардо с практическими возможностями новой техники, разработанной ван Эйком. Эти три великие открытия кладут основание новой живописной культуре» [6]. В XV-XVI веках сформировались основные три школы живописи; фламандская, итальянская и испанская. Фламандский метод отличался характерными приемами, оставшимися от приемов темперы, на смену которой он явился. Живопись у фламандцев всегда выполнялась по белому клеевому грунту, который не втягивал масла из красок, тонким слоем красок, наносившимся таким образом, чтобы в создании общего живописного эффекта принимали участие не только все слои живописи, но и белый грунт, являющийся как бы источником света, освещавшим картину изнутри. Этим методом пользовались живописцы Фландрии Ван Эйк, Дюрер, Лука Лейденский, Питер Брейгель, в Италии - Джовани Белини, Леонардо да Винчи и др. Итальянская школа восприняла фламандский способ масляной живописи и существенно его переработала. Белый фламандский грунт постепенно стал заменяться в Италии цветным грунтом, главным образом серым, нейтрального тона. По этому клеевому грунту выполняли рисунок углем, после чего контур его обводился прозрачной коричневой водяной краской, прокладывали сильные тени, темные цветные драпировки и прочее. Затем подобно фламандцам, рисунок и грунт покрывался слоем лучшего клея, поверх которого наносился слой масляного лака, чтобы грунт не втягивал масло. После этого приступали к масляной живописи, проходили света одними белилами, моделируя формы. После просушки, этой подготовки, работа продолжалась пастозным прописыванием светов в локальных тонах, но в повышенном белильном тоне, с расчетом на последующую лессировку; также прописывались рефлексы. В полутонах же, особенно живописи тела, оставался просвечивать серый грунт. Поверх такой хорошо просушенной подготовки живопись заканчивали прозрачными и полупрозрачными лессировками, причем получалась очень красивая живопись, красочный эффект которой, подобно фламандской живописи, слагался из просвечивания слоев красок и отчасти грунта. Этот метод достиг своего высшего развития в эпоху Джорджоне и Тициана. Впоследствии этим методом работали Рубенс и Рембрандт. Испанская школа живописи унаследовала приемы Болонских мастеров, которые пользовались темными грунтами, развив технические особенности, присущие лишь испанской школе. Яркие ее представители - Рибера, Сурбаран, Веласкес, Эль Греко23. Несмотря на различия, все эти школы соблюдали правила и принципы создания произведений, вытекающие из свойств и характера материалов масляной живописи. Это принцип живописи в несколько приемов - «трехслойный метод», в котором живописец расчленяет свою живописную задачу на несколько приемов, из которых каждому отводится специальное значение, намеренно с определенным расчетом или же вследствие больших размеров произведения и пр. В этом случае работа расчленяется на первую прописку – подмалевок, в котором задача живописца сводится к прочному установлению рисунка, общих форм и светотени. После прописи следует основной слой - вторая стадия трехслойного метода, момент корпусной, пастозной живописи. Этим слоем прорабатывается освещенная часть поверхности изображенных предметов, вообще - все светлое в картине. Задача этого слоя - дать разработанную лепку, усиленный эффект формы. Слой краски обычно тем гуще, чем светлее и материальнее пятно. Подмалевок основного слоя пишется белилами, обычно подцвеченными, но, как правило, в утрированно светлом и охлажденном тоне. Полутона и рефлексы, если прописываются в подмалевке, то более тонким слоем. После этого корпусный подмалевок хорошо просушивается и в случае надобности может быть проскоблен и выглажен ножом и пр.

Юдифь. 1504. Холст, масло (переведено с дерева). Государственный ЭрмитажСанкт-Петербург

Средствами фактурного рельефа при масляном подмалевке пользовались величайшие колористы при совершенно разных живописных толках (например, Левицкий, Рейнольдс, Рембрандт, Тициан). Но, мало того, что это средство ценно само по себе, оно приучает мастера рисовать и лепить форму кистью, приводит к пониманию живописной динамики формы и развивает в художнике чувство единства формы и цвета [3]. Третий и завершающий слой - лессировка. Так как лессировка всегда несколько утемняет и обычно утепляет ниже лежащие краски, понятно, почему подмалевок пишется светлее и холоднее. Задача лессировки - интенсификация цвета и завершение колорита. Такова схема трехслойного живописного метода старых мастеров. Этому тройному чередованию определенных живописных приемов соответствует последовательное усиление внимание к проблемам рисунка, светотени и цвета, иначе говоря – композиции, формы и колорита [6]. Д.И. Киплик в своей книге пишет - «Знания техники живописи сохранились в цехах живописцев до ХVIII столетия, но затем, с обособлением живописи как искусства от ремесла, под влиянием зарождения в ней новых идей постепенно утратились. Уже в первой академии Карраччи прежнее техническохудожественное воспитание живописца было заменено философско - художественным. С этого времени технические знания, являвшиеся в прежнее время всегда опорою живописцу, представляются уже стеснением художественной свободы» [4]. В книге Ю.И. Гренберга приводится в этом смысле показательный диалог из сочинения Джовани Батиста Вольпато из Басано «Метод, которому надо следовать в живописи» (ХVII в.). Старший ученик художника советует младшему познакомиться с приготовлением материалов для живописи по книгам Арменини и Боргини5 . В ответ на это младший замечает: «Если они говорят о живописи, то они не будут описывать таких вещей, которые не имеют отношения ни к искусству, ни к художнику - это ведь было бы неуместным». На что старший возражает: «Они (Арменини и Боргини) не имели намерения разделять эти вещи; во всяком случае хорошо, если художник об этом что-нибудь знает и умеет этим пользоваться; тогда, поручая это тем, на ком лежат эти обязанности, он сможет судить об исполненной работе; хотя для него и не обязательно приготовлять самому краски, он должен уметь различать их качество», и дальше комментарий Ю.И. Гренберга - «На смену пиетету перед профессиональным мастерством, включающим чисто ремесленное владение технологическим процессом создания произведения, который был, например, у Ченнини в ХIV столетии, постепенно приходит представление о ремесле как о предмете, ничего общего не имеющем с «высоким искусством». В глазах младшего ученика его ремесленные навыки – ничто перед настоящим искусством. Совершилось разделение некогда единого творческого процесса, и взгляд этот становится все более прочным. По мнению самого Вольпато, художник, если и не делает сам краски, обязан хотя бы знать их качества. Однако в его время и это уже становится не обязательно. Поэтому устами младшего ученика он вынужден сказать, что главное при выборе красок «их красивый вид». Хорошее подменяется красивым. Не состав красок, не знание их свойств определяют теперь их выбор, а возможность добиться с их помощью того или иного эффекта. «То, что связанно с техникой, относится к ремеслу, - замечает Бергер, - и в этом разрыве искусства с умением… можно видеть начало технического упадка, который начинается в Италии с конца XVII века» [5]. В ХIХ веке в эпоху французских импрессионистов, положивших начало бессистемной работе масляными красками, масляная живопись пришла в особенный упадок. Их последователи, неоимпрессионисты, довершили картину разрушения до грандиозных масштабов. «Верные знаки всякого живого искусства: чистая гармония воли, долга и умения, самоочевидность цели, бессознательность исполнения, единство искусства и культуры - всего этого нет теперь и в помине. Некогда свобода и необходимость были тождественны друг другу. Ныне под свободой понимают недостаток выучки. Слишком хорошо знакомая нам драма, когда кто-то «не справляется со своей задачей», была совершенно немыслима во времена Рембрандта и Баха. Судьба формы пребывала в расе, в школе, а не в тенденциях частного лица. Находясь под чарами великой традиции, даже некрупный художник способен достичь совершенства, поскольку его сводит с задачей живое искусство. Сегодня этим художникам приходится желать того, на что они больше не способны, и прикладывать свой художественный рассудок, рассчитывать и комбинировать там, где угас взрощенный школой инстинкт» [7] . В наше время наиболее распространенный живописный прием - корпусный мазок - приводит к живописному процессу, чуждому последовательным приемам и строгой расчлененности, и с трудом организует фактуру картины. Современный метод невольно требует от художника излишнего усложнения и самого мазка, и чувства формы, и восприятия цвета. Потеря качества художественных материалов, низкий уровень знаний технологии масляной живописи привели к невежественному употреблению красок, техники их наложения, без использования главного преимущества масляных красок - их прозрачности и, следовательно, цветосилы без расчетов на использование имприматур (тонировки грунтов), корпусных подмалевков и лессировок. Важнейшим и необходимым в связи с этим является обучение молодых художников - студентов классическим, проверенным столетиями, методам живописной техники. Книги по технологии и технике масляной живописи должны быть изучены самым прилежным образом, и «пусть обратит он свой разум на то, чтобы сделать свое произведение поразительным благодаря совершенству выполнения, чтобы можно было сказать: «materiam superbat opus» (работа преодолевает материю) [8].

  1. Альберти Леон Батиста (1404-1472) – итальянский ученый, архитектор, писатель и музыкант эпохи раннего Возрождения, автор трактата «Три книги о живописи», который является самым замечательным трудом по теории изобразительного искусства эпохи Возрождения.

  2. Эжен Делакруа (1798 -1863) - французский художник, виднейший представитель романтизма. Мысли Делакруа высказаны в дневнике, письмах и статьях.

  3. Ченино Ченини (1372 -1440) – итальянский художник, автор «Трактата о живописи», в котором он обобщил опыт художников переходного периода от средневековья к Возрождению.

  4. Джорджо Вазари (1511 -1574) – итальянский живописец, архитектор и историк искусства прославился своим историческим трудом «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, скульпторов и архитекторов».

  5. Рафаеле Боргини написал в1584 году Диалоги «Il Riposo» («Отдых»), где описывает технику масляной живописи в Италии и приводит перечень всех красочных материалов живописцев ХVI века.

  6. Франсиско Пачеко – испанский художник, учитель Сурбарана и Веласкеса. Написал в 1649 году трактат «Искусство живописи, ее древность и величие».

  7. Антонио Паломино (1655-1726) - испанский живописец, теоретик и историк искусства. Свои взгляды он изложил в монументальном труде «Музей живописи и школа оптики».

  8. Карель ван Мандер(1548-1606)- нидерландский живописец, автор капитального труда «Книга о художниках», в котором содержатся описания жизни и произведений нидерландских художников ХV-XVI столетий.

  9. Теодор Тюрке де Майерн (1573-1655)- врач, лейб-медик Карла I и Карла II в Лондоне. Материал, собранный де Майерном, представляет собой обобщенные сведения о живописи периода расцвета фламандского искусства, таких его корифеев, как Рубенс и Ван Дейк.

  10. Ян ван Эйк (1390-1441) - знаменитый фламандский живописец, впервые использовал масло в качестве связующего материала для красок.

  11. Альбрехт Дюрер (1471-1528) - немецкий живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства, Теоретические труды Дюрера представляют большой интерес для художников- практиков.

  12. Лука Лейденский (1494-1533)- нидерландский живописец и гравер.

  13. Питер Брейгель (1525-1569)- последний великий художник эпохи Возрождения в Нидерландах.

  14. Джованни Беллини (ок.1430-1516)- выдающийся художник эпохи Возрождения основоположник новой живописной традиции, согласно которой главная роль должна отводиться колориту и свету.

  15. Леонардо да Винчи (1452-1519) – итальянский живописец, архитектор, ученый и инженер эпохи высокого возрождения. «Книга о живописи» составлена после его смерти учеником Ф. Мельци.

  16. Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) (ок.1477-1510) – венецианский художник, один из основоположников искусства Высокого Возрождения, ученик Джовани Беллини.

  17. Тициан (Тициано Вечелио) (ок. 1476/87 -1576) – венецианский живописец эпохи Возрождения, ученик Джорджоне.

  18. Питер Пауль Рубенс (1577-1640)- фламандский художник и дипломат. Чтобы удовлетворить спрос на свои картины Рубенс создал большую мастерскую где работали А. ван Дейк , Я. Йорданс, и Ф Снайдерс.

  19. Рембрандт Хармес ван Рейн (1606-1669) –величайший голландский художник живописец, рисовальщик, офортист. Творчество Рембрандта повлияло на развитие мирового искусства в целом, хотя было оценено по достоинству спустя многие годы.

  20. Хосе Рибера (1591-1652) или Хусепе де Рибера по прозвищу Спаньолетто (маленький испанец), - испанский живописец, рисовальщик и гравер.

  21. Франсиско де Сурбаран (1598-1664) – испанский живописец. Ученик Ф. Пачеко. Главный вклад Сурбарана в искусство барокконеобыкновенный сплав мистического и реального.

  22. Диего Веласкес (Родригес де Сильва Веласкес) (1599-1660)- величайший испанский художник- реалист, ученик Ф. Пачеко. Веласкес заложил основы психологического портрета в искусстве Европы.

  23. Ель Греко (Доменико Теотокопули) – испанский художник греческого происхождения, возможно обучался в Венеции у Тициана. Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, где он стал провозвестником искусства барокко.

  24. Джошуа Рейнольдс (1723 -1792)- английский художник, президент Королевской Академии искусств. Свои теоретические взгляды на искусство ежегодно излагал в речах в стенах Академии.

Источники и литература:

1. Мастера искусства об искусстве : в 7 т. – М. : Искусство, 1967. – Т. 4. – 747 с.

2. Мастера искусства об искусстве : в 7 т. – М. : Искусство, 1967. – Т. 3. – 503 с.

3. Рыбников А. А. Техника масляной живописи / А. А. Рыбников. – М., Л. : Искусство, 1937. – 219 с.

4. Киплик Д. И. Техника живописи / Д. И. Киплик. – М. : Сварог и К, 2002. – 504 с.

5. Гренберг Ю. И. Технология станковой живописи / Ю. И. Гренберг. – М. : Изобразительное искусство, 1982. – 319 с.

6. Фейнберг Л. Е. Лессировка и техника классической живописи / Л. Е. Фейнберг. – М., Л. : Искусство, 1937. – 63 с.

7. Шпенглер О. Образ и действительность / О. Шпенглер. – М. : Айрис-Пресс, 2006. – С. 346. – (Закат Европы: очерки морфологии и мировой истории; Т. 1).

8. Рисунок, живопись, композиция : хрестоматия : учеб. пособие / сост.: Н. Н. Ростовцев, С. Е. Игнатьев, Е. В. Шорохов. – М. : Просвещение, 1989. – 204 с.

Autor: Дудченко Н.Я.

Имприматура - цветная тонировка (подцветка) грунта или первого слоя холста.

Импримату́ра (от итал. imprimatura — первый слой краски) — термин, используемый в живописи: цветная тонировка поверхности уже готового белого грунта.

Имприматура - простой и эффективный способ создать цветовую гармонию в живописной работе. При тонкослойном письме цвет грунта, просвечивая через слои красок, объединяет их в колористическом отношении. Так, на грунтах с теплыми и горячими оттенками цвета легче выдержать живопись в теплых тонах, на серых - в серебристых, на холодных - в холодных, на темном грунте - в темных тонах и т.п. Имприматура облегчает работу художника и технологически ускоряет процесс исполнения картины. Художнику можно не наносить лишних красочных слоев, а это в свою очередь дает большую прочность красочному слою и улучшает сохранность картины. Кроме того, имприматура является слоем, не допускающим излишнего проникновения масла из красок в грунт, устраняя распространенное в наше время явление чрезмерного прожухания масляных красок.
Иногда даже большие плоскости холста с ярко выраженной имприматурой и фактурой грунта не перекрываются другими красками, а оставляются незаписанными и входят в живописно-пластическое решение картины. Цвет грунта используется в решении контрастов, в достижении реалистической передачи моделировки тела и интенсивности освещения.

«Цвет грунта может играть большую роль в живописи, если пользоваться им по методу старых мастеров, то есть давать ему возможность просвечивать через слои красок и таким образом принимать деятельное участие в общем эффекте живописи.
Так как просвечивание белого грунта весьма благоприятно отражается на лежащих на нем красках (прозрачных или полупрозрачных), то обыкновенно грунту дают белый цвет, которому при желании различными способами можно легко придать любой оттенок. При умении использовать цвет грунта его можно выдерживать в сером, красном, коричневом, темно-коричневом и др. тонах, в зависимости от живописной задачи. Каков бы ни был цвет грунта, он проявляет свою активность по отношению к тону лежащей на нем живописи лишь при том условии, если краски на нём лежат не слишком непроницаемым слоем. Обильным наслоением красок можно уничтожить действие всякого цвета грунта на тон живописи. Работая на цветных грунтах, не надо забывать, что масляному слою красок с течением времени свойственно приобретать большую степень просвечивания, и потому цвет грунта в дальнейшем будет проступать сильнее, чем в свеженаписанной картине». (Д.И. Киплик, профессор Санкт-Петербургского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, автор книги «Техника живописи»)

ОСОБЕННОСТИ ИМПРИМАТУРЫ

  • На проклеенный холст можно нанести грунтовочную массу, добавив в нее нужный пигмент. Можно добавлять пигмент в последний слой грунта или сделать цветную тонировку белого просохшего грунта масляными красками.

  • Обычно старые мастера делали имприматуру кроющей краской из свинцовых белил, неаполитанской желтой и колокольной земли, стертых с льняным или ореховым маслом, сваренных со свинцовым глетом.
    Имприматура кроющими красками оказывает на живопись большее влияние, нежели прозрачными жидкими красками.

  • Ранее грунты, в массу которых введена краска для придания цвета, применялись сравнительно редко.
    Основную массу цветных грунтов представляют собой клее-гипсовые или клее-меловые грунты чисто белого цвета, поверхность которых сплошь покрывалась какой-либо цветной краской.
    Имприматурой, если соблюдать историческую достоверность, является именно слой масляной краски, положенной на белый грунт.

  • Имприматура может быть нанесена гладким ровным слоем или рельефно с определенной фактурой.

  • Имприматуру можно наносить кистью, флейцем, щеткой, мастихином, тряпкой, ладонью и тп.

  • Имприматура получила широкое распространение благодаря художникам венецианской школы того времени - Тициану и др. Почти все произведения Тициана имеют тонкий слой имприматуры. Тициан наносил имприматуру тонким слоем на белую поверхность клее-гипсового грунта после того, как не нее уже был нанесен рисунок.

  • Ученик Тициана, испанский художник Эль Греко, также писал свои произведения по коричневой имприматуре (жженая умбра), тонким слоем нанося ее на клее-гипсовый грунт белого цвета.

  • Рафаэль и Корреджо исполняли свои произведения на клеевых грунтах, покрытых тонким слоем масляно-лаковой имприматуры преимущественно синевато-серого, серого и иногда светло-коричневого цвета.

  • Имприматура не всегда являлась масляной, например П. Веронезе писал по светло-серым клеевым грунтам, подмалевывая темперой, подобно многим живописцам того времени.
    Исследователи техники старой итальянской живописи пришли к заключению, что многие венецианцы подмалевывали темперой, затем крыли ее лаком и заканчивали в масле.

  • Тинторетто писал масляными красками по темным грунтам: серому и коричневому грунту шоколадного оттенка прямо в локальных тонах, без гризайльной подготовки форм, но пользуясь лессировками в драпировках и прочих участках интерьера.

  • Франс Хальс писал на тонированном прозрачной коричневой имприматурой белом клее-мелованном грунте.

ЦВЕТ ИМПРИМАТУРЫ

  • Белый грунт весьма динамичен. Светлый грунт дает теплоту краскам, но лишает их глубины, при необходимости ему можно дать любой цветовой оттенок. На белом грунте сложнее писать в том смысле, что он не объединяет краски в колористическом отношении, как это бывает на цветных грунтах. Некоторые разновидности белых грунтов со временем желтеют.
    На белых грунтах писали И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.Д. Поленов и другие художники.

  • Нейтральные серые имприматуры дают ровное звучание и темным, и светлым краскам. Серая имприматура получалась посредством смешения разных частей виноградной черной со свинцовыми белилами.
    На имприматурах серебристо-зеленовато-серых оттенков написаны многие произведения Тициана, Ф. Гальса, Терборха, Веласкеса, О.А. Кипренского.
    Серые теплые тона имприматуры применяли в живописи А.А. Иванов, Рубенс; светло-серые, серо-голубые - Веронезе.

  • Широкое распространение получили так называемые болюсные грунты - от интенсивно красного до темно-красных, красно-коричневых или коричнево-черных с применением умбры. На красных «горячих» имприматурах писали академисты.
    Светло-красная имприматура состояла из красной земли, неаполитанской желтой и свинцовых белил, смешанных со связующим веществом. Имприматура темно-красного тона готовилась из жженой красной земли, неаполитанской желтой и свинцовых белил.
    Среди русских художников такие грунты применяли И.Н. Никитин, Ф.М. Матвеев, Ф.С. Рокотов, К.П. Брюллов и др.

  • Использовались также и темные (черные) грунты. Темный грунт дает глубину краскам в тонком слое и подходит для живописи, в которой преобладают глубокие тени. На черных имприматурах, в том числе и любом другом очень темном цвете грунта, краски вначале выглядят контрастными, яркими. Затем, со временем, они во многом теряют эти качества, особенно в полутонах, холодеют. Это происходит потому, что масляный слой красок со временем становится прозрачнее и больше просвечивает, поэтому цвет грунта в дальнейшем будет проступать сильнее, нежели в свеженаписанной картине. Этот недостаток и нежелательные последствия имприматур надо учитывать. И чем больше имприматура выражена в цвете и тоне, тем больше она проявит себя в дальнейшем.
    Такие имприматуры применяли Тинторетто, Джорджоне, Тициан, голландские художники, испанцы - Веласкес, Рибера, Сурбаран, иногда Рубенс и Рембрандт.

 

Отличие имприматуры от подмалевка:

Назначение имприматуры – создать цветовую основу для будущей картины, чтобы было легче выдержать отношения наносимых красок. Имприматура – как бы заранее зафиксированное на холсте отношение. Она либо определяет какой-то средний цвет, если она одноцветная, либо формирует цветовую канву, когда она разноцветная.

Назначение подмалевка – задать для будущей картины форму, то есть показать на картине места светлые, места темные и места промежуточные между ними. Это может быть сделано грубо, обобщенно при письме аля-прима или точно, тютелька в тютельку при многослойном письме с использованием лессировок.

Используемая литература: Яшухин А.П. "Живопись", Виннер А.В. "Материалы масляной живописи" и Киплик Д.И. "Техника живописи"

Школа Рисования в Хайфе: Уроки Живописи для для детей и взрослых

Хотите раскрыть свой творческий потенциал и освоить академический рисунок и живопись? Вам представляется уникальная возможность посетить Школу рисования и живописи Геннадия Шонцу в городе Хайфа. Наша школа является лидером в области обучения искусству, предлагая курсы как для взрослых, так и для детей.

Мы гордимся нашей уникальной методикой рисования и живописи, которая основана на академической программе. Наш опыт в обучении рисованию и живописи по Академическому рисунку простирается на протяжении 25 лет. За это время мы сформировали нашу собственную систему, которая помогает студентам раскрыть свой творческий потенциал и достичь великолепных результатов.

Один из наших основных преимуществ - это уютная профессиональная Студия, расположенная в центре города Хайфа. У нас вы будете окружены вдохновляющей атмосферой, которая способствует творческому процессу. Наши просторные и хорошо оборудованные студии предоставляют все необходимое для комфортного занятия искусством.

✅* Живопись: акварель, акрил, масло

✅* Рисунок: Aкадемический рисунок для начинающих

✅* Kерамика: лепка, глина


Мы ценим каждого ученика и предлагаем индивидуальный подход, учитывающий их потенциал и уровень. Наши опытные преподаватели помогут вам развить навыки рисования и живописи, независимо от вашего уровня подготовки. Мы верим, что каждый человек способен создавать произведения искусства, и наша задача - помочь вам раскрыть свой творческий потенциал.

Мы приглашаем всех жителей города Хайфа, Израиль, присоединиться к нашей школе искусств. Независимо от вашего опыта или возраста, у нас найдется курс, который подойдет именно вам.

https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Адрес школы: Хайфа, ул. Герцль 1, 2-й этаж,

Узнать все подробности и записаться на занятие можно по ☎️

Whatsapp: +972 54-344-9543

📍 Идеально, если вы искали:

✔️ кружок рисования для детей

✔️ арт-студию в Хайфе

✔️ занятия живописью

✔️ творческое развитие для школьников

✔️ подготовку в художественную школу

Мастер-класс масляной живописи: женский портрет

Мы приглашаем вас на наш новый мастер-класс масляной живописи по копированию женского портрета, который состоится с 7 октября по 18 ноября, в студии Геннадия Шонцу, в Хайфе.

Будем изучать и копировать "портрет Лопухиной", кисти Владимира Боровиковского —мастера портрета, академик Императорской Санкт-Петербургской академии художеств.

Курс копирования познакомит вас с технологией многослойной живописи масляными красками. В ходе занятий мы вместе с вами поэтапно выполним все стадии копирования картины, рассмотрим основные понятия и специфику художественных материалов, разберем структуру построения живописного слоя на примере произведений различных школ живописи.

Курс копирования полотен старых мастеров нацелен как на новичков, так и на тех, кто уже знаком с масляной живописью.

Продолжительность курса: 7 занятий.

Одно занятие 1,5 часа, 1 раз в неделю, по пятницам с 10:00-11:30.
Стоимость курса из 7 занятий – 700 шек..

Хотите узнать секреты старых мастеров, приходите учиться!
Запишитесь на урок, Whatsapp: +972 543 449 543
Хайфа, ул. Герцль 1, этаж 2-й
https://www.ghenadiesontu.com/masterclass

Скетчбук, скетчинг и скетч.

Что такое скетчинг и скетч?

Скетчинг - это техника рисования быстрых рисунков. Происхождение слова "скетчинг" объясняется от английского слова "sketch" – этюд, зарисовки, набросок, «рисовать эскизы», «делать наброски». Техника скетчинга основана на том, что рисунок выполняется в довольно быстром темпе, что позволяет художнику за небольшой промежуток времени быстро визуализировать различные объекты и идеи. Техника скетчинга давно используется как основной инструмент для дизайнеров и тех, кому нужно быстро донести свои мысли и идеи другим с помощью рисунка. В академическом рисунке и живописи скетч - это эскиз для будущей работы, подбор цветовой гаммы и композиции. В настоящее время направление скетчинга выросло и его уже относят к одному из самостоятельных художественных направлений в современном искусстве. Принципы работы скетчинга - это передача первых впечатлений за короткий интервал времени. Материалы используемые для скетчей - это маркеры на спиртовой основе, акварель, цветные карандаши, линеры и другие подручные материалы.

Скетчинг идеально подходит для тех, кто только начинает рисовать. Эта техника является довольно простой и не требует от вас навыков профессионального художника. Скетчинг способствует развитию качеств, присущих художнику: умение "поймать момент", увидеть хороший вид или композицию, быть внимательным и творческим. Овладев техникой скетчинга, можно пробовать более сложные рисунки. Обычно на скетч затрачивается минимум времени, чтобы уловить момент, идею, которые вы хотите передать в своем изображении. Если на скетч уходит больше часа, то это уже называется скетч-иллюстрацией.

Что такое скетчбук?

Скетчбукскечбук — буквально переводится, как альбом для набросков (sketchскетч – это набросок, book – книга). Раньше мы именно так и называли эти блокноты — альбом для рисования, альбом для зарисовок, альбом для набрсков. Но более короткое слово скетчбук сейчас заменяет эти понятия.

Обычно скетчбук — это блокнот небольшого размера, который удобно всегда иметь с собой. Он – как записная книжка, только для рисования. Бывают и большие скетчбуки (альбомы), которые нужны, когда художники целенаправленно планируют проекты внушительного размера, например, сложно сделать подробный набросок для картины полтора на два метра в карманном блокноте.

Скетчбук — идеальный инструмент для фиксирования идей и замыслов, переживаний, зарисовок эмоционального состояния. Изначально скетчбук был записной книжкой художника. Это небольшой альбом или блокнот, куда художник заносит свои идеи, наброски, где он тренируется рисовать, делает нужные пометки.

Однако со временем люди других творческих профессий также освоили скетчбук. Дизайнеры одежды и интерьеров, архитекторы, стилисты, даже писатели  стали все свои идеи, мысли и эскизы фиксировать в скетчбуках. Практически каждый, кто увлекается графикой, живописью, скульптурой, или кто так или иначе связан с творчеством, имеет скетчбуки.  Более того, профессионалы обычно имеют по несколько скетчбуков для разных целей.

По большому счету скетчбук - это профессиональный альбом для рисования, который имеет качественную бумагу для рисования и особые характеристики; Среди таких характеристик плотность бумаги скетчбука - для маркеров и скетчинга не стоит использовать бумагу малой плотности так как ваш рисунок или скетч будет просвечивать на обратную сторону и, возможно, маркеры протекут на следующие листы скетчбука.

В последнее время скетчбуки набирают все большую популярность среди профессионалов и любителей. Для того, чтобы ваш скетчинг проходил максимально приятно нужно определиться с плотностью и фактурой вашей бумаги. Некоторые художники выбирают наиболее плотную бумагу для скетчинга для того, чтобы маркеры не могли пропитать ее чернилами насквозь, другие же уделяют особое внимание фактуре бумаги скетчбука для маркеров. Если говорить о текстуре бумаги, то стоит помнить что чем более рыхлая поверхность бумаги скетчбука для маркеров, тем больший расход маркера она предполагает.

Специальная бумага для скетчинга и маркеров имеет довольно гладкую, даже блестящую поверхность для того, чтобы расход маркеров для скетчинга был минимальным. По такому типу бумаги маркер прекрасно пишет и буквально скользит по поверхности. Но стоит отметить, что новички в скетчинге которые совсем недавно сделали свой первый заказ маркеров для скетчинга или вовсе только начинают свой путь в этом стиле рисования не всегда могут с первого раза удачно создать скетч на такой бумаге. Если вы привыкли к акварельной бумаге или к плотной шершавой бумаге, то вам придется потратить некоторое время на изучение нового материала для скетчинга. Есть много скетчеров, которые намеренно покупают скетчбуки с акварельной бумагой и создают прекрасные скетчи в таких альбомах.


Читайте также: СКЕТЧБУК: 12 СЕКРЕТОВ ДЛЯ УСПЕШНОГО СТАРТА!

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/



Мастер-класс масляной живописи: “Итальянский Натюрморт”

Если вас восхищают полотна старых мастеров, и вы хотели бы иметь у себя дома копию известной картины, созданную своими руками, то этот мастер-класс вам просто необходим!

Мы приглашаем вас на наш мастер-класс масляной живописи по копированию работы Караваджо “Корзина с фруктами”, который состоится с 9 ноября по 28 декабря, в студию Геннадия Шонцу, в Хайфе

Мы поможем вам нарисовать копию “Корзины с фруктами” за 8 занятий, даже если вы никогда не держали кисть в руках. Вас ждет незабываемое путешествие в мир творчества, погружение в таинственную атмосферу полотен мастеров прошлого, отличное настроение и море позитива! И, конечно же, шедевр, который вы унесете вместе с собой по завершении курса!

 Курс копирования познакомит вас со старинной технологией многослойной живописи масляными красками, на примере копирования картин известных художников. В ходе занятий мы вместе с вами поэтапно выполним все стадии копирования картины, рассмотрим основные понятия и специфику художественных материалов, разберем структуру построения живописного слоя на примере произведений различных школ живописи — итальянской, голландской и пр.

В итоге, у вас получается законченная картина небольшого формата (35х50см). Курс копирования полотен старых мастеров нацелен как на новичков, так и на тех, кто уже знаком с масляной живописью.

Продолжительность курса: 8 занятий.

Одно занятие 1,5 часа, 1 раз в неделю.

Стоимость курса из 8 занятий – 800 шек..

Хотите узнать секреты старых мастеров, приходите учится!

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Запишитесь на урок, Whatsapp: +972 543 449 543

Хайфа, ул. Герцль 1, этаж 2-й

Построение гипсовой головы

Рисование голов с гипсовых моделей является не самоцелью, а лишь подготовкой к рисованию живой натуры. В этой работе так же, как и в предыдущих занятиях, необходимо соблюдать последовательность, причем эта последовательность зависит от задач, поставленных перед рисующими. Вначале для освоения основных форм следует рисовать головы наиболее обобщенного монументального характера; к ним можно отнести слепки произведений греческой скульптуры, например, таких как «Дорифор» Поликлета, «Гера», «Диадумен» и др. Усложняя задания, связанные с передачей формы и светотени, можно переходить к рисованию «Зевса», «Геркулеса», «Лаокоона», «Гомера»; для передачи более точной характеристики полезно нарисовать головы «Аполлона», «Гермеса», «Апоксиомена». Следующим, более сложным этапом рисования, который ближе подводит учащегося к рисованию живой головы, могут послужить римские скульптурные портреты — Люция Вера, Сенеки и других. В качестве модели для рисования головы в сильном повороте и с обнаженной шеей можно взять головы умирающего Александра Македонского, Лаокоона или другие эллинистические скульптуры, например некоторые головы рельефа алтаря Зевса в Пергаме. Для изучения отдельных частей очень полезна голова известной скульптуры Микеланджело «Давид» — его глаз, нос, губы, ухо. Рисование гипсовых голов целесообразно и необходимо потому, что в произведениях великих мастеров найдены и обобщены взятые из действительности формы, и рисующий имеет перед собой готовую характеристику натуры. Это упрощает задачу для начинающего, давая ему возможность сосредоточить все внимание на построении головы. Кроме того, неподвижность модели и ясно выраженная светотень облегчают решение задач, стоящих перед начинающим художником.

Начиная рисовать голову, нужно прежде всего позаботиться о ее постановке и освещении. Образующие голову поверхности и характер ее объема лучше всего выявляет искусственный источник света, освещающий голову сверху под углом в 45°. При отсутствии искусственного света модель можно приблизить к окну, затемнив его нижнюю часть, и, таким образом, также получить верхний свет. Слишком темные тени на голове модели следует смягчить, поместив вблизи белую бумагу или драпировку, которая даст необходимые рефлексы. В зависимости от поставленных задач источник света можно перемещать, освещая модель с различных сторон и расстояний. Фон для гипсовой головы необходимо брать темнее освещенных ее частей и светлее частей, находящихся в тени. Для ярко освещенной головы лучше всего ровный серый фон: около ее светлых поверхностей он будет казаться темнее, а у темных мест — высветляться. Этот оптический закон контрастности играет большую роль при передаче формы в пространстве. Для первых рисунков голову принято помещать на такой высоте, чтобы уровень глаз рисующего находился на линии глаз модели. Одним из главных условий работы является сохранение в процессе рисования положения натуры и постоянной точки зрения на нее. Поэтому следите за тем, чтобы от движения головы или туловища рисующего не изменилась точка зрения или линия горизонта. Не следует садиться ни слишком близко, ни слишком далеко от модели. Наилучшим является расстояние, равное тройной величине модели но вертикали. Такое расстояние позволит следить за общим построением и хорошо видеть детали. Приступая к рисунку гипсовой головы, нужно иметь в виду, что изображаемая условно без торса, она не имеет тех внешних точек опоры, при помощи которых обычно строятся предметы, непосредственно расположенные на плоскости (как, например, на столе, подставке, земле). Табуретка, стоящая на полу, ваза на столе рисуются от нижнего основания, то есть от внешних точек опоры на плоскости. Голова, изображаемая в пространстве сама по себе, не соприкасающаяся ни с какой поверхностью, нуждается в особом приеме построения — в использовании собственных внутренних точек опоры. Эти внутренние опорные точки дают возможность строить голову в любом повороте и наклоне. Вначале положение головы и шеи в фас при отсутствии внешних опорных точек опре-деляется с помощью вертикали и горизонтали: намечается линия от середины лба до середины подбородка, проводятся также линии, определяющие направления глаз и других размещающихся параллельно им форм (рис. 1). Определив соотношение высоты и ширины мо-дели, следует обозначить ее общий овал и положение шеи, затем наметить основной объем головы, отделяя для этого лицевую поверхность головы от поверхностей, идущих к затылку. На этом общем объеме головы можно более точно определить положение и пропорции отдельных частей (рис. 2). Намечая основные части лица: расположение глаз, лба, носа, рта, подбородка, сравнивайте их размеры по отношению не только друг к другу, но и ко всей форме головы. В противном случае, даже если найдены правильные пропорции отдельных частей, общая форма головы может оказаться неверной. С каждой вновь вводимой деталью увеличивается количество сравниваемых величин, и поэтому очень важно, чтобы первоначальные пропорции больших форм не были нарушены. Неточности в основных пропорциях повлекут за собой бесчисленное количество ошибок, которые заставят рисовальщика переделывать рисунок заново. Так, например, если приуменьшить нижнюю половину головы по отношению к верхней, то на ней невозможно будет правильно разместить соответствующие части, нельзя определить расстояние между носом, губами, подбородком, установить их пропорции. Переносица, расположенная в центре всех форм, является наиболее устойчивой точкой, по отношению к которой определяются места для глазничных впадин, передних и боковых поверхностей носа, надбровных дуг. Форма головы ограничивается прямыми и кривыми поверхностями. Перспективно сокращаясь и соприкасаясь друг с другом, они являются объемной основой рисунка, без которой всякая, даже отлично оттушеванная голова, несмотря на правильно взятые светотеневые отношения, будет казаться пухлой или плоской. Задача рисующего заключается в том, чтобы найти эти поверхности, из которых каждая занимает только ей свойственное положение. Определение их в натуре и последующее воспроизведение на бумаге — это и есть построение объема на плоскости листа (рис. 3). Выявляя основные поверхности, не следует опасаться некоторой на первых порах упрощенности и резкости в их трактовке. Правильное понимание объема головы, характера ее основной формы, умение увидеть взаимосвязь всех ее частей несравненно важнее преждевременного вырисовывания мелких деталей — бровей, зрачков, ноздрей, к которому так склонны малоопытные рисовальщики. Необходимо помнить, что в объемном построении головы нужно идти таким же путем, каким идет скульптор, который не имеет возможности начать свою работу ни с контура, ни с деталей, а начинает непременно с больших поверхностей, образующих данный объем. Совокупность этих поверхностей даже в своем предельно упрощенном виде представляет уже реальную объемность, являющуюся основой для дальнейшей разработки деталей. Эти поверхности и их взаимное расположение убедительно показаны на рисунках голов Аполлона, выполненных В. Е. Савинским (рис. 4 и 5). Резкими определенными плоскостями пролеплен весь объем головы, показаны лицевые и боковые ее поверхности, овальные формы глаз, крепко вставленных в глазницы.

Рис. 1. Первая стадия рисования гипсовой головы.jpg
Рис 2 вторая стадия рисования гипсовой головы.jpg

На рисунках Савинского можно наблюдать отношение размеров ближайших боковых поверхностей головы к боковым, более перспективно сокращенным. То же самое можно видеть в соотношении боковых поверхностей носа, лба, в расположении глаз. Когда вы намечаете поверхность формы, вводите легкую светотень, оставляя для светлых мест чистую бумагу и покрывая штрихом тени. Это придаст рисунку первоначальное объемное выражение. Следующей стадией рисунка головы является передача ее пластической формы. Для этого нужно проследить переход одной поверхности в другую, причем он может быть или постепенным, или резким. На рис. 5 видна граница, отделяющая лицевую освещенную поверхность головы от боковых, затемненных, а также более резкие переходы от тени к свету на выдающихся скулах и сравнительно мягкие в нижней, округлой части лица. Подходя к наружным краям рисунка головы, особенно внимательно следите за сокращающимися поверхностями, правильное перспективное и тональное построение которых имеет решающее значение в передаче объемности головы. Для того чтобы не разделять рисование головы на отдельные искусственные этапы и сохранить непрерывную последовательность в решении возникающих в процессе работы задач, переход к рисованию деталей должен быть постепенным и почти незаметным. Уточняя, например, обобщенную первоначальную форму носа, наблюдая его в деталях, рисующий должен отметить и показать на рисунке, что различные по тону и характеру четыре его поверхности являются местом расположения более мелких форм — крыльев носа, ноздрей, кончика носа, весьма разнообразных по форме: округлых, тупых, острых. Рассматривая поверхность лба, рисующий должен заметить в натуре и показать на рисунке, что нижняя часть лба лепится пятью различными по тону поверхностями: средней (фронтальной), двумя соприкасающимися с ней и двумя идущими от последних височными или боковыми поверхностями, на которых располагаются ушные раковины (рис. 3). Нужно также показать на рисунке, что намеченная пятигранная схема лобного отдела лица вверху переходит в овальную форму лобных костей. Такое же постепенное уточнение первоначально намеченных форм и наполнение их формами соподчиненными должно иметь место и в рисовании всех частей: глаз, губ, подбородка. Детали, вводимые в первоначальную форму, в своей совокупности являются как бы ее проверкой и могут способствовать взаимному уточнению.

Рис 3 третья стадия рисования гипсовой головы.jpg
Foto_apolon_1 Рис. 4. В. Е. Савинский. Голова Аполлона.jpg

Например, боковая поверхность носа определяет расположение его крыла, а детально проработанные крылья носа могут внести поправку в построение всей его поверхности. Необходимо помнить, что все парные формы головы следует намечать и рисовать одновременно: так легче определить степень их перспективного сокращения в данном повороте.

Исполнение рисунка не должно резко делиться на рисование контура и последующую тушевку. Рисуя линиями, с самого начала помните о форме, которую они обозначают, намечайте легкой светотенью поверхности, образующие объем, оставляя для освещенных мест чистую бумагу и закрывая однотонной тушевкой тени. Затем, придавая тени должную глубину, осторожно вводите в нее рефлексы, а в область света — полутона и блики. Беспрестанно сравнивая и соподчиняя их тональные отношения, добивайтесь передачи освещенной формы. Чтобы не перечернить рисунок (что очень часто бывает у малоопытных рисовальщиков), нужно прежде всего найти предельную силу тени на гипсе, по отношению к которой и выдерживать общий тон рисунка; при этом хорошо иметь перед глазами кусочек черного бархата или зачерненной бумаги, сравнительно с которыми самую глубокую тень на гипсе придется взять более легкой и прозрачной. На академическом рисунке головы Александра Севера, выполненном И. Е. Репиным (рис. в), можно наблюдать четко отработанные детали, объединенные тоном в единое целое. Падающий сверху свет книзу постепенно слабеет, утрачивая свою силу и контрастность. Боковые поверхности лица, сокращаясь в глубину, выделяют переднюю его часть, чему способствуют подчеркнутые глубокой тенью формы глазниц, губ и основания носа. Взятый правильно фон помогает передавать освещенную форму в пространстве. При выполнении гипсовых голов следует избегать бесформенного размазывания теней и вытирания резинкой пятен света. Штрих, как бы обнимающий форму, является лучшим средством ее передачи. Прекрасным примером может служить рисунок головы «Лаокоона», выполненный Александром Ивановым (рис. 7). Несмотря на то, что формы античных голов являются более обобщенными, чем головы живой натуры, изображение гипсовых слепков, передача цельности формы, деталей, освещения и материала требуют большого количества тональных оттенков, что обычно представляет для неопытных рисовальщиков затруднения, является причиной невыдержанности тона и раздробленности рисунка. В результате появляются ошибки: рефлексы оказываются в одной силе со светом, перечерненные тени «проваливаются», резкие контрасты дальних планов «лезут» вперед. Прежде всего эти погрешности объясняются излишней поспешностью, отсутствием должной последовательности и внимательности в работе. Умение сравнивать изображение с натурой, находить и исправлять ошибки является необходимым условием для успешного выполнения рисунка. Для того чтобы легче сопоставлять рисунок с натурой, следует стараться воспринимать их как однородные явления, то есть представлять реальную гипсовую голову как бы нарисованной. Тогда, быстро переводя взгляд с натуры на рисунок, можно сразу почувствовать разницу между ними — или в построении, или в освещении.

Рис 5. В. Е. Савинский. Голова Аполлона.jpg
Foto_laokaon Этюд с головы Александра Севера, 1864. Графитный карандаш.jpg

При виде спокойного тона натуры очень часто бросается в глаза тональная пестрота в рисунке. Правильно построенный, но «замученный» и сбитый с тона рисунок при известном опыте поддается исправлению. Прикосновением к такому рисунку резинкой, снимкой или тряпкой восстанавливаются основные светотеневые отношения, облегчаются, но не убираются «выпадающие из тона» детали, а если требуется — подчеркиваются контрасты ближайших планов. Хорошо продуманный, правильно построенный и выдержанный в тоне рисунок прекрасно передает форму, освещение, материал и окружающую среду.

Учебное пособие для изучения основ академического рисунка: Гипс Бюст Гомера

Учебная гипсовая модель БЮСТ ГОМЕРА используется в учебных заведениях для прорисовки форм, теней. Учебные гипсовые модели необходимы для начинающих художников для построения формы модели, понимания строения черепа и т. д. Бюст гомера является одной из самых популярных гипсовых моделей для рисования.

Homeros_MFA_Munich_51.jpg
akadem-risunok-golova-gomera.jpg
akadem-risunok-golova-gomera-0.jpg

Гипсовые модели необходимы не только тем, кто планирует заниматься скульптурой, но и художникам-живописцам, которые изучают объемные рисунки. Всматриваясь в бюст или сложную многогранную геометрическую фигуру, будущие мастера учатся работать с деталями, замечать мелочи. С помощью гипсовой модели можно довести свои умения до совершенства, так как пример все время на виду. Модель не меняет позы, формы, цвета, и это делает повторение скульптуры более упрощенным.

akadem-risunok-golova-gomera-3.jpg
akadem-risunok-golova-gomera-2.jpg
akadem-risunok-golova-gomera-5.jpg
Shading-Techniques-Practice_Circulism-Teddy-Bear.jpg

Последовательность выполнения рисунка гипсовой головы:

а) линейно-конструктивное построение рисунка;

б) конструктивно-структурное построение (детализация рисунка);

в) тональная моделировка рисунка (завершающий этап)

akadem-risunok-golova-gomera 6.jpg

Лессировки. Лаки для лессировок.

chto-nuzhno-znat-pro-lessirovki Portrait_of_a_Man_in_a_Turban_(Jan_van_Eyck).jpg

Самые ранние известные примеры использования приёма лессировки в живописи — норвежские иконы XIII века, где лессировочные слои (два, реже — три) наносились на белый подмалёвок на масляном связующем. В основу живописной техники старых фламандских мастеров (XV век) при переходе от работы темперой к масляным краскам была положена система нанесения многочисленных прозрачных и полупрозрачных лессировочных слоёв по светлому грунту, при этом создавались произведения с богатым колоритом и особой светоносностью. Лессировка у фламандцев была основным приёмом при моделировке изображения открытых участков человеческого тела.

Наивысшего развития живопись с использованием лессировок достигла в Европе в XVIII веке. Признанными мастерами в этой области стали художники французского рококо. Вплоть до XIX века этот приём был одним из главных для получения необходимого цвета и тонкой нюансировки живописи.

Petrus_Christus_006.jpg

Лессировка — это тонкий полупрозрачный или совсем прозрачный слой краски, который меняет цветовую характеристику. Требования к лессировке:

  • чтобы лессировка не пожухла,

  • не смывалась во время последующей работы,

  • желательно, чтобы она не желтела,

  • чтобы хорошо ложилась на поверхность картины, не стекала и не собиралась в капли.

Прежде чем выполнять лессировку необходима межслойная обработка с легким отлипом.

Лессировки выполняются только на плотном масле, так как если их выполнять на пинене или лаке, то при повторных прописках или покрытии картины лаком они просто смоются (их растворит пинен, находящийся в составе лака). Поэтому лессировка должна быть необратимой, то есть написанной не просто на масле (которое необратимо), но на плотном масле. Плотное масло обладает значительно большей связующей (склеивающей) силой, чем простое масло, а в тонком слое лессировки связующего остается очень мало, поэтому оно должно быть более сильным

Технические требования к лессировке

feinberg-lessirovka-i-tekhnika-classicheskoi-zhivopisi-1937_Page9.jpg
  • высокая вязкость связующих,

  • чтобы не очень быстро высыхала (для удобства в работе),

  • имела бы стабилизирующую добавку от текучести, типа воска или бальзама. (– чтобы не стекала и не собиралась в капли).

Плотное масло для лессировки. Основное в лессировочной краске – это хорошо приготовленное, наименее желтеющее плотное масло. Им может быть ореховое, маковое, подсолнечное, и в худшем случае – льняное, как наиболее желтеющее. В плотное масло входят в различных пропорциях перечисленные выше добавки. Необратимое, густое, менее желтеющее, лучше сохнущее – это полимеризованное масло, являющееся в данном случае лучшим связующим для лессировки. ( Для лессировки подходит любое плотное масло – оксидированное на воздухе и солнце или же - полимеризованное. Некоторые авторы отдают предпочтение полимеризованному маслу (Б. Сланский), а некоторые – оксидированному (М. Дёрнер)).

Чтобы ослабить в какой-то степени пожелтение от масла и сделать его менее заметным, лессировки выполняются в теплых тонах. ( Как бы тщательно не отбеливалось масло, оно все равно будет желтеть при высыхании и хранении, но в меньшей степени). Для выполнения работы с лессировками мастерская должна быть идеально убрана от пыли.

Лак для лессировки

Назначение лаков в живописи:

  • Лаки на палитру, (Ред. – для разжижения красок на палитре).

  • Межслойные или ретушные лаки,

  • Лаки для лессировок,

  • Покрывные или защитные лаки.

Чем выше была культура живописи, тем выше была культура лаков. (Ред. – «Лаками для живописи» обычно называют лаки на палитру для разжижения красок во время работы).

Специфическое понятие лессировки отличается от любой жидкой краски, присутствием в ней специального лака или уплотненного масла.

Лак повышает ее прозрачность и стабильность, лишает краску возможности прожухать. Это связующее не мигрирует и не мутнеет с точки зрения структуры.

Плотное масло (иногда называют «масляным лаком»), придает живописи блеск, а его склеивающая способность намного превышает смоляной лак (даммарный, мастичный и др.) и делает ее необратимой. Что такое необратимость лессировки.

Titians-Painting-Technique-Glazing-2.jpg

Необратимость лессировки

feinberg-lessirovka-i-tekhnika-classicheskoi-zhivopisi-1937_Page.jpg

С технической точки зрения, лессировка должна быть необратимой. Если мы наносим прозрачный слой краски с использованием даммарного лака (который является скипидарным лаком), то даже при большом количестве используемого масла (не уплотненного), лак сохраняет обратимость и может быть снят и при межслойной обработке и при реставрационной расчистке картины. Это означает, что лессировка уйдет, будет смыта. Поэтому лессировка должна быть необратимой, чтобы проводимая по ней последующая работа (покрытие ее покрывными лаками, реставрационная работа) не должна нанести ей ущерб. Необратимость же лессировке может дать только уплотненное масло.

Смеси для лессировок - это раствор смол в сильно уплотненном масле. Образует необратимую пленку при высыхании. Применяется для изоляции одного живописного слоя от другого, для создания прозрачных слоев. Это может быть копаловая смола в льняном масле. Разбавитель «Тройник» (раствор льняного масла и лака в скипидаре) за счет присутствия в нем масла, также является лаком для лессировок.

Как избежать текучести лессировки, ее способности мигрировать

Мы знаем, что нанесенное на поверхность живописи масло начинает мигрировать, собираться вокруг соринок, кусочков пигментов и т.д. Поэтому необходимо применять в лессировках очень густое, полимеризованное масло в смесях со смолами, (то есть, с даммарным, мастичным и др. смоляными лаками) близкое по вязкости вазелину. Для этого вводят в него воск, стеарат алюминия, бентонит, аэросил.

Оптический и эстетический характер лессировки

Лессировка, подчеркивает выразительность фактуры. Подмалевок подготавливает глубину и пластику фактуры, по которой после просушки наносится лессировка. Заполняя впадины прозрачным и глубоким цветом, она неравномерно распределяется по поверхности, значительно обогащая ее.

Снимок.JPG

Для хранения копий в перерывах между сеансами копирования, лучше использовать такую коробочку, защищающую живопись от пыли, так как часто в музеях для такого временного хранения копий выделяют пыльные помещения. Такие коробочки студенты делают самостоятельно. В углах ее находятся упоры, чтобы работа не прислонялась к поверхности коробки. Два отверстия делаются для циркуляции воздуха внутри коробки.

Лессировка и техника классической живописи / Л. Е. Фейнберг. — Москва ; Ленинград : Государственное издательство «Искусство», 1937. — 63, [4] с., 31 вкл. л. ил. : ил

Лессировка и техника классической живописи / Л. Е. Фейнберг. — Москва ; Ленинград : Государственное издательство «Искусство», 1937. — 63, [4] с., 31 вкл. л. ил. : ил

Учебное пособие: РИСУНКИ ГИПСОВЫХ ГОЛОВ

Здесь размещены образцы учебных рисунков гипсовых голов и деталей головы человека со слепков с античных скульптур из методического фонда Московского архитектурного института. Эта подборка предназначается студентам художественных вузов и тем кто хочет научиться рисованию самостоятельно для копирования. Являются наглядным учебным пособием для изучения основ академического рисунка головы человека.

Что такое учебный рисунок?


Академический рисунок - это длительный, как правило, многосеансный, учебный рисунок. Цель академического рисунка - освоить основы изобразительной грамоты художником на основе конкретного объекта или предмета, соответственно уровню обучения.

Задачами учебного рисунка являются освоение и отработка изобразительных приёмов и изучение разнообразных форм и признаков предметов и объектов. Академический рисунок передаёт максимально точно основные внешние характеристики изображаемых объектов с учётом освещения и окружающей объект среды.

Академический рисунок - основной учебный предмет в системе академического художественного образования. Соответственно блокам системы, он структурируется по уровням освоения мастерства художника от простого к сложному: рисование простейших плоских орнаментов и структур; рисование геометрических тел (каркасных и гипсовых); рисование натюрмортов, фрагментов интерьера; рисование гипсовых голов, их частей и производных; рисование портретов; рисование анатомических моделей и гипсовых фигур (античные скульптуры, экорше, скелет человека); рисование фигуры человека (одно- и двухфигурные композиции).
Учебный академический рисунок выполняется только с натуры, без использование дополнительных ресурсов (фотография, видео и т.д.), так как основополагающий принцип такого рисунка - изучение натуры в её неизменном, чистом, природном виде. Поэтому, в академическом рисунке не допускается проявление творческих креативных приёмов и экспериментов, а также рисования по памяти, по воображению, по представлению (только как домашние упражнения, дополняющие и развивающие классную академическую постановку).

Рисунок гипсового слепка с античной скульптуры головы человека

Рисунок гипсового слепка с античной скульптуры головы человека

Рисунок гипсового слепка с античной скульптуры головы человека. Нос.

Рисунок гипсового слепка с античной скульптуры головы человека. Нос.

Рисунок гипсового слепка уха с античной скульптуры головы человека.

Рисунок гипсового слепка уха с античной скульптуры головы человека.

Рисунок гипсовой анатомической головы Экорше

Рисунок гипсовой анатомической головы Экорше

Рисунок черепа человека

Рисунок черепа человека

Рисунок головы Афродиты с античной скульптуры. Фас

Рисунок головы Афродиты с античной скульптуры. Фас

Рисунок гипсовой головы Афродиты с античной скульптуры. Профиль

Рисунок гипсовой головы Афродиты с античной скульптуры. Профиль

Рисунок гипсовой головы Цезаря с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Цезаря с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Сократа с античной скульптуры. Фас

Рисунок гипсовой головы Сократа с античной скульптуры. Фас

Рисунок гипсовой головы Сократа с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Сократа с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Антиноя с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Антиноя с античной скульптуры. ¾

Рисунок гипсовой головы Дорифора с античной скульптуры. Фас

Рисунок гипсовой головы Дорифора с античной скульптуры. Фас

Академический рисунок, как предмет, это структурированная, полная систематическая последовательность упражнений, учебных заданий. Каждое задание методически точно разработано и является неотъемлемой частью образовательной программы по рисунку. Для каждого учебного блока или года обучения разрабатывается своя обучающая программа. Любое нарушение систематичности, последовательности освоения звеньев программы по академическому рисунку ведёт к дестабилизации процесса и результата обучения, поэтому научиться академическому рисунку самостоятельно невозможно.
Наличие учебных задач в каждом задании по академическому рисунку задаёт критерии оценки учебного рисунка и основные способы его выполнения. Также имеет значение последовательность шагов при рисовании академического рисунка, логика ведения работы и применение набора особых приёмов рисования (академическая штриховка, тонировка и т.д.).
Академический рисунок демонстрирует аналитический, осознанный подход художника к изображаемому, базируется на законах перспективы, принципах зрительского восприятия действительности, композиции, формообразования.

Учебный академический рисунок выполняется графическими материалами (простой карандаш; уголь, сангина, сепия, соус и другие мягкие материалы; ретушный карандаш; редко - тушь и прочее). Формат академического рисунка обусловлен учебной задачей и размерами модели, может быть как стандартным, так и произвольным (вытянутый прямоугольник, квадрат), но это непременно классический четырёхугольник. Ученики художественных школ, колледжей и вузов рисуют на плотной бумаге (ватман, крафт, реже тонированная бумага или бумага для пастели, картон), натянутой на планшет.
Академический рисунок, соответственно учебной задаче и направленности, подразделяется на виды: архитектурный, конструктивный, тональный, живописный и прочие.
Академический рисунок базируется на теоретической основе - теории изобразительного искусства и методике обучения рисованию. При этом плотная связь теории с практикой в обучении рисованию особенно важна. Для получения полноценного академического художественного образования учебные занятия рисунком необходимо совмещать с уроками живописи, композиции и истории искусств. Эти фундаментальные художественные дисциплины преподаются и изучаются одновременно и дополняются смежными курсами - цветоведение и колористика, пластическая анатомия, основы дизайна и формообразования, декоративно-прикладное искусство, культурология, эстетика и другими.

Помимо изучения объекта изображения (натурная постановка, живая модель, пленэр) в обучении академическому рисунку применяют учебные пособия и макеты (поэтапные последовательные схемы рисования, примеры учебных работ, анатомические модели, анатомические атласы, рабочие тетради по перспективе с задачами, цветовой круг, цветовой шар, специальную литературу и многое другое).
Особенно важен в освоении учебного академического рисунка пример педагога: авторские методики, примеры выполненных заданий и творческие художественные рисунки, рисование вместе с учеником, поясняющие схемы, графическое объяснение на полях рисунка или отдельном листе).

Учебное пособие для изучения анатомии человека: гипсовая модель экорше головы по Гудону

gudon_ecorshe10.jpg

Экорше (франц. écorché — "ободранный", "освежёванный" от écorce — "кора, корка") — учебная гипсовая модель - пособие, изображающее фигуру, голову, или отдельные части тела человека без кожного покрова, с открытой мышечной структурой.


Данное экорше так называется в честь автора этой скульптуры Жан-Антуана Гудона (1741—1828), знаменитого скульптора и педагога. Еще в юности за не ординарные способности Жан Антуан был направлен пенсионером в Рим для обучения, в те времена пенсией называлась стипендия выделяемая студенту. Во Французской академии в Риме (1764—1768) Гудон изучал и копировал произведения античной скульптуры, работы Бернини, Микеланджело и других; посещал больницу Святого Людовика Французского. Здесь хирург Сегюир обучал учеников анатомии на трупах. Знания полученные на этих занятиях способствовали созданию одного из лучших пособий для изучения анатомии человека. Получив первый серьезный заказ на статую Иоанна Крестителя (1766—1767, Рим, вилла Боргезе — уменьшенный вариант), прежде чем лепить полноценную скульптуру, для большей уверенности молодой скульптор решил выполнить из гипса в той же позе мышечную модель данной скульптуры. "Экорше" была отлита в 1776 г. На основе этого этюда мастер выполнил величественную фигуру Иоанна Крестителя, идущего в мир с вестью о пришествии Спасителя.

gudon_ecorshe.jpg

Скульптура оказалась настолько удачна, что в дальнейшем ее стали использовать для обучения художников и скульпторов. Изначально скульптура была отлита из бронзы, статуя представляла собой фигуру мужчины с характерно вытянутой рукой, впоследствии учебные пособия стали отливаться из гипса, чаще всего с усеченной правой рукой. Для изучения мышц лица изготавливают отдельно слепок головы скопированный с экорше в полный рост.

gudon_ecorshe2.jpg

Так же существует экорше головы повышенной точности. Его используют не так повсеместно, и пока в нашем ассортименте он отсутствует, но обязательно появится в ближайшее время.

Для подготовительного этапа изготовили на основе экорше головы - "обрубовку головы по Гудону" или "голову обобщенных плоскостей", она же "обрубовочная голова" или просто "обрубовка".


gudon_ecorshe3.jpg

На странице размещены качественные фотографии Экорше Жан-Антуана Гудона для копирования и изучения основ академического рисования головы и фигуры человека.

Écorché_Houdon_(3)_1767.jpg
gudon_ecorshe15.jpg
gudon_ecorshe16.jpg
1616675174128497773.jpg

ДАВИД МИКЕЛАНДЖЕЛО

Давид - самое известное произведение Микеланджело получило внимание и признание далеко за пределами Флоренции. Недаром монумент весом до шести тонн и по сей день считается самой известной скульптурой в истории искусства.

Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представленная флорентийской публике на площади Синьории 8 сентября 1504 года. С тех пор пятиметровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом

Образ библейского царя вдохновлял мастеров и ранее, но все предшественники Микеланджело (Донателло, Андреа дель Верроккьо) изображали его победителем, к ногам которого пала голова Голиафа. Художественное новшество Буонарроти состояло в том, что он впервые запечатлел героя в момент подготовки к решающей битве. Статуя изображает обнаженного юношу мощного телосложения, готового к бою с опасным врагом. Его гордая голова с копной волос, нахмуренные брови и твердо сжатые губы говорят о несгибаемой воле.

Эти 8 фотографий высокого качества гипсовых копий со скульптуры Микеланджело могут стать наглядным учебным пособием для копирования и изучения основ академического рисунка.

Если у вас на данный момент нет под рукой этого пособия, скачивайте фото и рисуйте прямо с монитора вашего компьютера.

ГИПСОВАЯ КОПИЯ ГОЛОВЫ ДАВИДА

David_gipsy (1).jpg
David_gipsy2.jpg
David_gipsy3.jpg
David_gipsy4.jpg
David_gipsy5.jpg
David_gipsy9.jpg

КОПИЯ СО СТАТУИ ДАВИДА МИКЕЛАНДЖЕЛО

David_gipsy7.jpg
David_gipsy6.jpg
'David'_by_Michelangelo_Fir_JBU002.jpg

Подготовка к вступительным экзаменам и поступление в школу искусств Реут в Хайфе

Поступление в школу искусств Реут в Хайфе.jpg

Это был тяжелый год для всех, как для нашей студии рисования, так и для наших учеников. Дважды нас закрывали из-за ограничений эпидемии. Но мы продолжали интенсивно заниматься в офлайн и онлайн режиме подготовкой к вступительным экзаменам в школы искусств.

За время подготовки было проделано много хороших работ. Ученики выросли профессионально и, в результате, все они с успехом сдали вступительные экзамены в Школу Искусств Реут.

Желаем всем нашим ученикам творческих успехов!

Мечтаете поступить в Школу Искусств – начните готовится уже сегодня.

Моя программа базируется на классической школе академического рисунка и рассчитана на обучение учеников желающих подготовиться к поступлению в художественный ВУЗ, училище, школу, студентов художественных учебных заведений, а также для тех, кто просто хочет научиться рисовать "для себя" или хочет повысить собственный профессиональный уровень.

Программа зависит от подготовки учащегося и основана на традиционной академической программе: изучение перспективы, линейно-конструктивное построение, основы рисунка и живописи карандашом, акварелью, натюрморты, копирование несложных работ, основы пластической анатомии, рисунок и построение головы, копии графических и живописных работ с фигурами, изучение различных школ и техник масляной живописи, артистичные и технологичные приемы, тепло-холодность, копирование работ старых мастеров, изучение различных приемов, технике и технологии живописи старых мастеров.

Поступление в художественный вуз — это сложный этап в становлении карьеры художника. Выбор вуза, направления, факультета, все эти вопросы необходимо обдумать, и быть готовым к вступительным испытаниям.

Есть несколько важных особенностей при поступлении в художественный вуз.

Предварительный просмотр. Чаще всего перед поступлением проводятся собеседования, где требуют представить работы по рисунку, живописи и композиции для оценки и допуска к вступительным экзаменам. Иногда эта оценка зачисляется в общие баллы, что очень важно. Поэтому для этого этапа вам просто необходимо иметь набор хороших работ по всем требуемым дисциплинам.

Сдача творческих экзаменов. На вступительных экзаменах нужно выполнить определенное задание за ограниченное время. Для каждой дисциплины свои параметры. На подготовительных заданиях мы тренируем навык сконцентрированной работы, чтобы без спешки, не на последних минутах быстро дорисовывать, а спокойно сделать качественную работу, сохранив при этом нервы и силы для будущих экзаменов. Чаще всего, отведенного на выполнение задания времени достаточно, а иногда и с избытком хватает для хорошей работы.

Работа на экзамене. Процесс рисования или живописи на экзаменах — это всегда напряжение, стресс и страх от ожидания результатов и итогов. Как показывает практика, лучший способ не волноваться и уверенно делать работу это предварительные «тренировочные» экзамены, на которых выполняются точно такие же задания за такое же время.

Начните готовится уже сегодня!

Свяжитесь с нами!

Хайфа, ул. Герцль 1, 2-й этаж

https://www.ghenadiesontu.com/for-children

Курс Живописи - "Голландский натюрморт" в Хайфе

С 8 июня в Студии рисования Геннадия Шонцу в классе масляной живописи начинается курс “Голландский натюрморт”.

Эдвард Ладелл

Эдвард Ладелл

На этом курсе вы:

  • Узнаете методы и приёмы работы над живописным полотном старых голландских мастеров;

  • Узнаете о методах лессировки в масляной живописи. Попробуете использовать на практике технику многослойной живописи;

  • Узнаете, как художники старой европейской школы использовали в работе фактурный мазок для достижения различных эффектов при создании живописного полотна;

  • Будем учиться писать фрукты, цветы, стеклянную посуду, блики на металлических поверхностях, различные фактуры ткани. Все то, чем так славится голландская живопись.

Одним словом, вас ждет чудесное погружение в мир, где всё в изобилии, где всё прекрасно и гармонично. Где царит процветание и счастье.

Ни одна национальная школа живописи не знала такого бурного расцвета натюрморта. Только умение голландского мастера в самом малом увидеть частицу бытия подняло этот жанр до уровня ведущих. Расцвет классической живописи произошел в 17 веке, но до сих пор современные живописцы хотят раскрыть секрет старых мастеров.

Данный курс позволит вам приоткрыть дверь в загадочный мир натюрморта на примере образцов в виде репродукций голландских мастеров (Willem Van Aelst, Gillis Gillisz de Bergh, Jan Jansz van de Velde и др).

Программа курса:

1 занятие.

Наносим рисунок, выбранного нами сюжета, на холст. Затем, кисточкой небольшого размера делаем прорисовку нашего рисунка на холсте. Нанесение текстуры  и включение её в структуру нашей живописи. Наносим имприматуру и оставляем холст сушится до следующего сеанса.

2 занятие.

Прописываем изображение на нашей картине. Тоновая моделировка объектов живописи. Постепенное включение цветовых пятен в нашу живопись.

3 занятие.

Дальнейшая работа над светом и тенью в нашем живописном произведении, проработка полутонов.

4 занятие.

Дальнейший этап в работе это методы и приемы живописной лессировки. Цели и задачи лессировки. 

5, 6, 7, 8 занятия

это завершающий этап в работе над нашим живописным полотном. Продолжаем работать над деталями с учетом цельности изображения. Ставим блики и уточняем рефлексы.

Продолжительность курса 8 занятий. Одно занятие 1,5 часа, 1 раз в неделю.

После прохождения курса у вас останется замечательная картина написанная маслом на холсте в стиле старых голландских мастеров, которая будет радовать вас и ваших близких.

 Хотите начать обучение?

Запишитесь на урок,

Whatsapp: +972 543 449 543

Хайфа, ул. Герцль 1, 2-й этаж

https://www.ghenadiesontu.com/

1.jpg

Какие клеи использует реставратор?

При реставрации применяют в основном традиционные натуральные клеи животного происхождения - глютиновые. В зависимости от исходного сырья эти клеи разделяют на костные, мездровые, рыбьи.

Осетровый клей

Самый прозрачный, самый крепкий, самый очищенный, самый клейкий, самый незаметный, конечно, самый натуральный….и, еще много-много эпитетов заслуживает осетровый клей высочайшего качества животного происхождения, изготовленный из пузырей осетровых рыб. Он абсолютно натурален, без каких-либо вредных химических соединений, без сильного (резкого) запаха, присущего всем современным клеям, и все это делает наш клей просто незаменимым для реставраторов.

Не случайно осётр выбрал для своей среды обитания самое теплое место - Астрахань.

Свойства осетрового клея, соответствуют высоким требованиям мастеров реставрации икон; при нанесении сусальной позолоты в приготовлении левкаса и полимента для золочения он просто незаменим!

Область его применения очень разнообразна, осетровый клей в виде растворов различной концентрации используют для нанесения профилактической заклейки, укрепления красочного слоя и грунта, укрепления кромок, дублирования картин на новый холст, не заменим при работе с мозаикой, инкрустацией, при восстановлении старинной мебели, паркетных полов. Клей используется в производстве музыкальных инструментов.

Осетровый клей создает прочную клеевую пленку склеиваемых поверхностей.

Преимущества осетрового клея:

148830709_894294874677158_5457547298484884959_n.jpg

- обратимость (состав в любой момент можно размягчить и переклеить так, как необходимо), важное свойство при реставрации;

- отличная адгезия;

- хорошая текучесть, что позволяет без особого труда, подклеивать отслоения фанеры, а также соединить детали совершенно разной жесткости;

- 100% прозрачность осетрового клея, позволяет сделать невидимыми места склейки;

- низковязкие свойства, позволяют глубоко проникать в пористые структуры;

- при варке, не образует «накипь» в виде мусора!

Водорослевый клей Fu-nori

укрепляющий состав для живописи.jpg

Фунори - проверенный укрепляющий состав для живописи, применяется для подклеивания отстающих фрагментов живописи на бумаге и шелке в Японии еще с XVII вв.; подходит для укрепления матовой живописи и живописи, чувствительной к воде.

В начале XXI века он вошел в европейскую реставрационную практику как средство для укрепления красочного слоя и получил широкое распространение по всему миру.

Производится из красных водорослей Gloipeltis, которые произрастают у побережья Японии, Кореи и Южного Китая, в их состав входят водорастворимые компоненты – полисахариды, липиды, протеины.

Главные преимущества:

  • не изменяет поверхность красочного слоя;

  • не оставляет ореолов;

  • не образует пленку;

  • не создает блеск.

Клей кроличий мездровый

Rabbit-skin_glue_top_view Кроликовый мездровый клей.jpeg

Кроликовый мездровый клей — глютиновый клей, получаемый из обрезков кожи кроликов. Клей кроличий мездровый — высококачественный натуральный эластичный клей, который применяется в качестве связующего для приготовления грунта и полимента, а также клея для золочения. Кроликовый клей Ferrario хорошо подходит для укрепления левкаса/грунта и красочного слоя на темперной/масляной живописи и полихромной скульптуре.

Клей костный столярный (гранулированный)

Клей костный столярный.jpg

Костный клей, производится в плитках, чешуйках и гранулах. Гранулированный клей является наиболее очищенным и качественным. Клей костный столярный представляет собой белковый клей животного происхождения. Внешний вид: гранулы; цвет: от  светло-желтого до темно-коричневого; размер частиц: 2-5 мм. По физико-химическим показателям столярный клей соответствуют требованиям нормативной документации. Клей костный столярный изготовлен по ГОСТ 2067-93.

Массовая доля влаги костного клея не более 17%

Спектр применения костного столярного клея широкий. Его используют при склеивании поверхностей в деревообрабатывающей, бумажной мебельной промышленности; в переплетно-брошюровочном производстве; полиграфической промышленности; в качестве столярного клея.

Желатин технический

Желатин технический.jpg

Желатин представляет собой твердый измельченный продукт светло- желтого цвета, без запаха и вкуса. Обладает большой желирующей способностью и высокой вязкостью. У нас вы можете приобрести желатин технический и пищевой.

Желатин технический – применение:

  • изготовление печатных полиграфических форм, ценных бумаг и денежных знаков;

  • в текстильной и легкой промышленности;

  • при изготовлении типографических красок;

  • в производстве строительных материалов в качестве связующего вещества;

  • в кино- и фото- производстве для создания фотобумаги и кинопленки.

Клей казеиновый экстра

Клей казеиновый экстра.jpg

Казеиновый клей марки экстра — однородный порошок серого цвета без посторонних включений с малым количеством комков, распадающихся при легком растирании. Казеиновый клей является традиционно столярным клеем и применяется для склеивания древесных материалов и древесины с картоном, тканью, склеивания кожи, стекла, фарфора. Казеиновый клей образует водостойкий шов.

Способ применения: Перед склеиванием древесина должна находится в помещении, температура которого 15-20 С, а относительная влажность не менее 70%, не менее 2-х часов. Поверхности, подлежащие склеиванию, должны быть сухими, ровными и очищенными от пыли. Клеевой раствор готовят, приливая при непрерывном помешивании к 10 весовым частям клея 21 весовую часть воды температуры 15-20 С. Перемешивание раствора продолжают не менее 10 минут. Через 1,5-2 часа от начала приготовления наносят клей на склеиваемые поверхности движением кисти в одну сторону, не допуская появления пузырьков воздуха. Не позднее чем через 15 минут после нанесения склеиваемые поверхности совмещают и через 5-10 минут помещают под груз на 18-24 ч, затем выдерживают в помещении 48 часов без груза. Предпочтительное давление при выдержке под грузом: – для склеивания древесины твердых пород – 2 кгс/см2 – для склеивания древесины мягких пород –1 кгс/см2 – для склеивания древесины с картоном или тканью до 1 кгс/см2 Расход сухого клея составляет 200–300 г на 1 м2 склеиваемой поверхности. Сохранение стандартным раствором клея влаготекущего состояния, не менее 4 ч.

Гуммиарабик

гуммиарабик.jpg

Водный раствор гуммиарабика обладает клеящими свойствами. Гуммиарабик высшего качества бесцветен и полупрозрачен. Применяется для приготовления твореного золота, спиртовых и масляных лаков и др.

Гуммиарабик (в гранулах)

Гуммиарабик – клей растительного происхождения, представляет собой затвердевшую на воздухе камедь тропических видов акации. Растворяется в воде. Гуммиарабик используется в качестве связующего при изготовление твореного золота, также используется при изготовлении акварельных красок.

Пшеничный японский крахмал Jin Shofu

Пшеничный японский крахмал Jin Shofu.jpeg

Традиционный японский пшеничный крахмал Jin Shofu — высококачественный продукт для склеивания бумаги и картона, а также восстановления живописи (на рисовой бумаге).

Рецепт: 1 часть пшеничного крахмала Jin Shofu 2-4 части воды смешиваются. Раствор нагревается на водяной бане при температуре не выше 60-70 градусов. Крахмал считается готовым при достижении прозрачности. Дальше готовый раствор процедить через мелкое сито.

Рисовый крахмал

Рисовый крахмал — водорастворимый клей..jpg

Рисовый крахмал — водорастворимый клей. Используется в качестве клея в реставрации памятников истории и культуры на бумажной основы.

Библиотека реставратора: книги, необходимые и полезные в работе реставратора

Художник-реставратор – это специалист, который занимается восстановлением и сохранением произведений искусства и памятников истории.

Многие замечательные произведения живописи демонстрируются в выставочных залах музеев благодаря искусству художника-реставратора. В функции реставратора входит не только восстановление почти погибших картин, но и умелое и бережное их хранение и профилактические работы по их сохранению, и правильная их упаковка и перевозка, и многие другие операции. Все это требует от художника-реставратора самых разнообразных знаний и умений.

Художник-реставратор должен знать основные этапы развития изобразительного искусства, материалы и технические особенности исполнения масляной (темперной) живописи, знать свойства основных материалов, применяемых в реставрационных работах, способы их приготовления, иметь понятия об исследованиях в разных лучах спектра, а также знать физико-химические методы анализа. Реставратор должен уметь вести профилактический осмотр произведений масляной и темперной живописи, проводить основные технико-технологические исследования; проводить упаковочные работы, связанные с транспортировкой экспонатов и их перемещением, уметь проводить консервационные работы, проводить дезинфекцию, профилактические мероприятия: протяжка холста колками, удаление пылевого загрязнения, снятие картины со старого и натяжка на новый подрамник, заделку прорывов холста, покрытие картин лаком и многие другие операции.

“Секреты живописи старых мастеров” Гренберг Юрий Израилевич, Фейнберг Леонид Евгеньевич

Технические приемы старых мастеров чрезвычайно разнообразны. И все же они меньше варьируются, чем у современных художников, поскольку, как мы постараемся показать, технологические принципы европейской классической живописи основаны лишь на нескольких основных приемах. Автор классической картины мог быть фантастом, фанатиком, человеком, одержимым любой идеей, ставить перед собой разнообразнейшие эстетические задачи. Однако, решая их, эти мастера были подвластны, как неизменной рабочей гипотезе, требованиям исторически доступного им максимального реализма. Благодаря этому представители многих художественных школ достигали исключительно высокой убедительности изображения. При этом старые мастера никогда не переходили границ художественности и не впадали в холодный натурализм. Сам метод их работы был гарантией хорошего вкуса. Метод работы старых мастеров во многом отличается от приемов, распространенных в наше время. Точно так же, как и техника, скажем, импрессионистов полностью противоположна технике художников Ренессанса. Вместе с тем, изучая историю живописи, легко заметить, что многие живописные приемы, которые сегодня нам кажутся само собой разумеющимися, уходят своими корнями в далекое прошлое. Итак — секреты техники живописи старых мастеров.

Г.Н.Горохова, М.Г.Кононович "Характеристики грунтов и красочных слоев произведений итальянской живописи XV-XVIII в. (опыт систематизации)

Г.Н.Горохова, М.Г.Кононович Характеристики грунтов и красочных слоев произведений итальянской живописи XV-XVIII в..jpg

"Данное издание посвящено исследованию грунтов и красочных слоев произвдений итльянских художников XV-XVIII веков. Результаты исследований, проведенных Отделом физико-химических исследований ВХНРЦ, составлены в виде таблиц.

К исследованным авторами 58 живописным произведениям добалвены данные о 22 грунтах, опубликованые ежегодниками Лондонской национальной галереи (NGTB) и исследовательской лабораторией Франции (Annuals).

Осущетвленное исследование рассматривает не только изменения цвета, послойности и состава грунтов, но и схематическое построение красоных слоев, их состав и наглядно показывает те изменения, которые происходили в них на протяжении XV-XVIII веков.

Издание предназначено для экспертов, реставраторов, музейных сотрудников, искусствоведов".

Научная экспертиза художественных произведений

4KRkS-8_YDU.jpg

"В настоящий сборник включены статьи сотрудников отдела научной экспертизы ВХНРЦ им.акад.И.Э.Грабаря, в которых нашли отражение разные аспекты исследовательской работы, проводимой в отделе: атрибуция, переатрибуция, открытие и введение в научный оборот имен малоизвестных и забытых художников, технико-технологические исследования, методики проведения экспертизы художественных произведений.

Сборник адресован искусствоведам, музейным сотрудникам, художникам-реставраторам, знатокам и любителям искусства, коллекционерам".

М.К.Никитин, Е.П.Мельникова. Химия в реставрации. Справочное пособие. - Л.: Химия, 1990.

М.К.Никитин, Е.П.Мельникова. Химия в реставрации. Справочное пособие..jpg

Приведены свойства веществ, рецептуры составов, применяемых при реставрации памятников архитектуры, произведений живописи, скульптуры, художественных изделий из камня, дерева, металлов, стекла, керамики, тканей, бумаги, кожи и т.п. Рассмотрены химико-технологические процессы реставрации.

Для химиков, занимающихся реставрационными работами, специалистов химической промышленности, работников инспекций по охране исторических и культурных памятников. Полезна всем интересующимся прикладными проблемами реставрации.".

Д.И.Киплик "Техника живописи". МНОГОСЛОЙНАЯ ЖИВОПИСЬ

Приемы многослойной живописи различны. Она может вестись от начала до конца масляными или масляно-лаковыми красками, а также смешанным способом живописи, начало которому дается водяными красками, а окончание — масляными и масляно-лаковыми.
В зависимости от избранного художником метода живописи выбирается и применяемый в дело грунт холста.

Рисунок, с которого начинается работа, выполняется различным материалом, в зависимости от цвета грунта, его состава и способов живописного подмалевка. Как сказано выше, лучше всего делать его отдельно на бумаге и затем переводить на холст, где он по клеевому или эмульсионному грунту обводится акварелью и темперой и жидко разбавленной масляной краской, быстро сохнущей на масляном грунте.
При подобном подходе к делу грунт сохраняет чистоту своего цвета, кроме того, и свою поверхность, которая может пострадать при поправках и изменениях в рисунке углем, карандашами и т. п.


Затем следует подмалевок, техническая сторона которого должна, возможно, лучше
отвечать его назначению.

Е.В.Кудрявцев "Техника реставрации картин”

Е.В.Кудрявцев Техника реставрации картин.jpg

Книга Е. В. Кудрявцева "Техника реставрации картин" содержит научно обоснованные рекомендации по вопросам технологии реставрации картин. Является справочником, рассчитанным на широкий круг художников и тех, кто соприкасается с реставрационной практикой.

А.Б.Алешин. «Реставрация станковой масляной живописи в России»

А.Б.Алешин. Реставрация станковой масляной живописи в России.jpg

В книге рассматривается история развития принципов и методов реставрации станковой масляной живописи в России с XVIII века по настоящее время. Рассмотрена также реставрация масляной живописи в Европе в первой половине XIX века. Книга содержит более 140 цветных и черно-белых иллюстраций с изображениями предметов искусства (до реставрации, в процессе реставрации и после реставрации), и др.

Ю.И. Гренберг. «Технология станковой живописи»

Ю.И. Гренберг. Технология станковой живописи.jpeg

Издание является фундаментальным исследованием , в котором впервые в отечественной и зарубежной литературе на основе изучения многочисленных исторических источников античности, средневековья, Возрождения, последующего времени в современных лабораторных данных прослеживается эволюция технологических принципов создания произведений станковой живописи. Монография охватывает период почти 2000-летнего развития европейской и русской живописи, создает основу для принципиально нового направления в ее изучении с малоизвестной в искусствознании технологической стороны. Книга рассчитана на широкий круг читателей, интересующихся искусством, представляет интерес для историков искусства, художников, музейных работников, реставраторов и студентов искусствоведческих и художественных учебных заведений.

Секреты живописи старых мастеров, Фейнберг Л., Гренберг Ю.

Секреты живописи старых мастеров.jpg

Почему, прогуливаясь по Лувру, мы обнаружим, что самые разрушенные картины - это те, которые датированы последними столетиями? И самые прочные - это работы старых мастеров? В чем секреты и тайны старой живописи? Возможно ли восстановить старинные технические приемы письма?
На эти вопросы и призвана ответить данная книга. Авторы попытались в ней рассказать о живописи старых мастеров, чтобы методы их работы стали понятными, доступными и близкими читателю.
.Пособие адресовано студентам и учащимся художественных школ, лицеев и вузов, а также широкому кругу любителей и знатоков живописи.

Учебные заведения для реставраторов

Московский архитектурный институт (государственная академия) - факультет повышения квалификации ( marhi.ru)

Главный архитектурный вуз России, готовит архитекторов и дизайнеров жилых и общественных зданий, промышленных сооружений, ландшафтных дизайнеров, градостроителей. МАРХИ аккредитован Королевским институтом британских архитекторов (RIBA), сотрудничает с архитектурными и художественными вузами за рубежом. Программы бакалавриата и магистратуры аккредитованы валидационным советом ЮНЕСКО-МСА по архитектурному образованию.


НОЧУ ДПО РАР Русская Академия Ремесел (academycrafts.ru)

Некоммерческое образовательное частное учреждение дополнительного профессионального образования.

ГБПОУ ПТ № 2 (http://msctechnicum.ru)

Отделение «Реставрация» ГБПОУ ПТ № 2 реализует образовательную программу среднего профессионального образования по специальности 54.02.04 «Реставрация» (углубленная подготовка) с получением квалификации «художник-реставратор». Программа обучения включает изучение основ композиции, пластической анатомии, черчения, рисунка, живописи, истории искусств, иконографии, реставрации, консервации и музейного хранения объектов культурного наследия (по направлениям: темпера, масло, керамика, металл, камень, ДПИ, монументальная живопись, архитектурная лепнина).


МГХПА им. С.Г. Строганова. (г. Москва) (http://mghpu.ru)
Сегодня МГХПА — наи­бо­лее мно­го­про­филь­ная худо­же­ствен­ная ака­де­мия — про­во­дит под­го­товку худож­ни­ков по 5 спе­ци­аль­но­стям и 17 спе­ци­а­ли­за­циям: про­ек­ти­ро­ва­нию инте­рье­ров и мебели, раз­ра­ботке деко­ра­тив­ных и мебель­ных тка­ней, гото­вит спе­ци­а­ли­стов в раз­лич­ных обла­стях дизайна, исто­ри­ков и тео­ре­ти­ков искус­ства, худож­ни­ков мону­мен­таль­ной живо­писи и скуль­пто­ров, худож­ни­ков по металлу, кера­мике и стеклу, рестав­ра­то­ров мону­мен­таль­ной живо­писи, мебели и худо­же­ствен­ного металла.


Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года (г. Москва)
http://mgahu1905.ru/restor.html
В соответствии с фундаментальной и специальной подготовкой выпускники в качестве художников-реставраторов могут осуществлять исследовательскую и исполнительскую деятельность, направленную на спасение, сохранение и введение в научный оборот произведений станковой живописи (иконы, картины) и графики.

Высшая Школа Реставрации (http://fii.rsuh.ru/section.html?id=3183)

Кафедра ВШР осуществляет подготовку высококвалифицированных кадров на базе очной и очно-заочной (вечерней) форм обучения по направлению бакалавриата «История искусств», профиль подготовки «Консервация и реставрация памятников материальной культуры»


Санкт-Петербургский институт искусств и реставрации (http://spbiir.ru)

Наши выпускники могут устанавливать и подтверждать авторство, время изготовления памятника изобразительного искусства, проводить анализ стиля, манеры автора произведения, техники живописи, иконописи, особенностей памятников архитектуры и предметов декоративно-прикладного искусства.

Институт искусства реставрации (г. Москва) (http://resvuz.ru)

Институт Искусства Реставрации — единственный в России ВУЗ полностью реставрационного профиля. Наши программы направлены на обучение людей, желающих посвятить свою жизнь реставрации. В 2014 году Институту исполнилось 23 года.

Санкт-Петербургский государственный университет (Факультет искусств) (http://arts.spbu.ru)

Факультет искусств возник на базе старейшего российского университета, основанного Петром Великим в 1724 году. В течение ряда лет факультет являлся частью Филологического факультета, а затем Факультета филологии и искусств. В 2010 году Факультет искусств был выделен в отдельную структуру, и его деканом стал Народный артист России Валерий Гергиев.

Санкт-Петербургская государственная Художественно-промышленная академия им. Штиглица (http://ghpa.ru)

СПГХПА им. А. Л. Штиглица – одна из ведущих в стране школ по подготовке высококвалифицированных специалистов в области дизайна, прикладного и монументального искусства, с мощными художественными традициями, высочайшим профессионализмом, европейской известностью.

Рисунок деталей головы. Учимся правильно рисовать губы человека карандашом поэтапно.

Губы являются выразительной деталью лица наряду с глазами. Для их изучения и изображения необходимо знать закономерности строения формы губ, а также правила их рисования. Формы губ, как и остальные детали головы человека, имеют свои характерные признаки и зависят от индивидуальных особенностей, национальной и расовой принадлежности. Но при всём разнообразии губы имеют общую для всех структуру.

Внешняя форма губ обусловлена подковообразной формой костей верхней и нижней челюстей, на которых располагается круговая мышца рта. В образовании формы верхней губы участвуют парные квадратные мышцы, расположенные симметрично по обе стороны от центра, где находится характерный бугорок верхней губы. Волокна квадратной мышцы верхней губы, прикрепляясь к круговым мышцам рта, в её наружном слое участвуют в формировании верхней губы. Нижняя губа образуется также двумя квадратными мышцами, расположенными симметрично справа и слева и прикрепленными, как и мышцы верхней губы, к круговой мышце рта. Помимо основных мышечных образований сюда вплетаются радиальные мышцы, которые проникают и в кожу губы, в результате чего губы способны отражать эмоциональное состояние человека. Для того чтобы понять и хорошо усвоить методику рисования губ, следует отработать рисунок гипсового слепка губ Давида, где отчётливо выражена пластическая характеристика формы.

Приступая к изображению губ, необходимо знать не только закономерности строения формы, но и правила их изображения на плоскости. Построение изображения губ должно выполняться линейно-конструктввным методом.

В процессе построения рисунка губ должна строго соблюдаться последовательность, что является основным условием верного построения изображения натуры и успешного выполнения рисунка.

Начинать рисунок следует с лёгкого касания карандаша к бумаге. Резко прочерченные линии мешают замечать ошибки, тем более их исправлять. Давление карандаша по мере правильного продвижения рисунка должно усиливаться.

Выбрав точку зрения относительно модели, приступайте к изучению натурной модели, рассматривая её внимательно сбоку, сверху, спереди и в трёхчетвертном положении. Это даёт возможность лучше понять и запомнить форму для её правильного изображения на плоскости.

Изображая форму губ, начинать нужно с обобщенной формы (рис.16).

Лёгким движением карандаша намечается местоположение губ с учётом пропорциональных и перспективных сокращений. При этом не нужно рисовать губы в отдельности, особенно в начальной стадии. Намечать губы следует в целом, в виде овала. После чего определить вспомогательными линиями общий характер линии рта сообразно характеру модели (без учёта бугорка верхней губы). Наметив линию рта, нужно определить серединную профильную линию.

Губы состоят из половинок, их середина находится на профильной осевой линии. В трёхчетвертном положении часть губ, находящаяся в перспективном удалении, сокращается точно в соответствии с углом точки зрения к модели.

Рисунок губ.jpg
Рисунок губ 2.jpg

Рис. 16 - Порядок изображения губ

Исходя из этого, определяется середина губ с помощью вспомогательной профильной линии. От того, как верно и точно определена в перспективе серединная профильная линия, во многом будет зависеть успех в правильном изображении формы губ на плоскости. Определяя серединную профильную линию вспомогательными линиями, нельзя обойти одну существенную деталь. Форма и взаимное расположение губ зависят непосредственно от формы и прикуса зубов. Варианты формы расположения губ приведены на рис.17.

Большинство людей имеет нормальный, ровный прикус зубов, отсюда и соответствующая форма губ. Формы губ с нормальным прикусом зубов расположены следующим образом. Верхняя губа по отношению к нижней заметно выступает вперед, что хорошо видно при осмотре с профильной стороны. При этом бугорок верхней губы, наклоняясь своей серединой в сторону ротовой щели и несколько накладываясь на поверхность нижней губы, уходит в ротовую щель, придавая пластику и выразительность её средней части, а также всей форме. Такое положение чрезвычайно важно учитывать при изображении формы губ. Бугорок верхней губы, в зависимости от индивидуальных особенностей, выражен в различной степени. Он может быть выявлен отчётливо или совершенно незаметно (рис.18).

Независимо от многообразия форм, структура строения губ имеет единую основу. Недостаточное знание анатомического строения форм губ и неумение выражать графически структурное строение формы приводит к затруднению в выполнении рисунка.

Рис. 17 - Варианты формы расположения губ

Рис. 17 - Варианты формы расположения губ

Рис. 18

Рис. 18

Рис. 19

Рис. 19

На рис.19 наглядно показаны принципы и методы построения формы губ в различных положениях, поворотах, ракурсах в линейно-конструктивном изображении.

Чтобы не ошибиться при построении губ, внимательно проследите за их рельефом и одновременно за окружающими их поверхностями. Губы тесно связаны с окружающими плоскостями: носогубными поверхностями, плоскостью нижней губы и боковыми плоскостями в области уголков рта и щек.

Особо обратите внимание на серединную профильную линию, проходящую от основания перегородки носа через основание бороздки «фильтра», к бугорку верхней губы, вглубь ротовой щели, и обратно - посередине нижней губы до края и от него к подбородочной бороздке, через верхний выступ подбородка и вниз к его основанию. Это будет правильно в том случае, если верно определена серединная профильная линия на общей форме губ с учётом правильного расположения их в перспективе.

Определив вспомогательными линиями и точкой серединную профильную линию, уточняют толщину губ, наметьте лёгкими непрерывными линиями дугообразную кромку формы верхней губы. Намечать эти линии, нужно чрезвычайно внимательно.

На середине дугообразной кромки верхней губы, над её бугорком, от носогубной бороздки строится характерный изгиб (вырезка, желобок), который характеризует форму верхней губы. Наметив изгиб, намечают вдоль профильной линии бороздку на носогубной поверхности.

Бороздка - «фильтр» в своей верхней части имеет одинаковую величину по ширине с перегородкой носа, а у кромки верхней губы чуть расширяется, определяя размер изгиба.

Рис. 20

Рис. 20

При изображении бугорка верхней губы правильно определите его направление, следя за серединной профильной линией, идущей вдоль его горбинки. Не забывайте при этом, что основание бугорка находится несколько за пределами линии ротовой щели, чуть накрывая своим кончиком основания верхний край нижней губы, и направляется в невидимую часть ротовой щели. Основание бугорка намечается двумя прямыми линиями, симметрично расходящимися под тупым углом по отношению друг к другу от серединной профильной линии вверх и в стороны к квадратным мышцам верхней губы (рис.20).

При построении формы нижней губы также следует ориентироваться на серединную профильную линию. Прежде проверьте по натуре правильность расположения нижней губы по отношению к верхней. Осевая профильная линия на нижней губе при ее изображении в трехчетвертном повороте слева должна быть смещена влево от верхней, а при рисовании справа - смещаться вправо. После уточнения профильной осевой линии переходите к построению формы нижней губы. Но прежде чем перейти к её построению, необходимо отметить, что формы губ, также как и остальные детали головы и лица, относятся к парным формам.

Поэтому при их изображении следует строго придерживаться парности строения форм. Рисуя ближнюю половину губ, не следует забывать о дальней половинке, которая находится в перспективном сокращении.

Рис. 21.

Рис. 21.

Как упоминалось в начале раздела, в формировании нижней губы, кроме основных круговых мышц рта участвуют парные, так называемые квадратные мышцы. Поэтому, приступая к построению формы нижней губы, начинать нужно с этих мышц. Намечать их следует линиями в виде овалов, причем, намечая дальнюю половину, уточняйте перспективу. Ближняя мышца находится под прямым углом к точке зрения и перспективному изменению не подлежит. Располагать парные мышцы следует строго симметрично, при этом толщина овальных форм не должна быть чрезмерно сокращена.

При этом толщина овальных форм не должна быть чрезмерно сокращена. Гораздо хуже, когда форма изображена в обратной перспективе, т.е. дальняя часть формы увеличена по отношению к ближней. Главное, следите за сокращением формы дальней половины, чтобы она соответствовала характеру выгнутой формы губ в перспективе (рис.21).

Точно таким же образом следует выполнить противоположную, сокращающуюся половину уголка рта, учитывая изгиб формы рта в перспективном сокращении. В средней части губ, доводя линию до края основания бугорка, как бы проходят его насквозь, следуя точно вдоль вспомогательной линии рта. После чего, не нарушая форму бугорка, соединяют видимую линию рта с его основанием.

Затем надо перейти к тональной моделировке формы. Тональная моделировка формы губ несколько отличается от моделировки других частей лица и головы. Это обусловлено характером формы губ, прежде всего мягким переходом форм их поверхностей.

Поэтому, моделируя формы губ, следует работать мягкими светотеневыми переходами, не допуская грубых штриховок, разрушающих поверхность формы (рис.21).

Штрихи должны быть положены по форме, независимо от направления и поворотов форм губ.

Выявляя рефлексы в тени, не оставляйте белый лист бумаги. Сила тона рефлекса не может быть идентичной силе полутона, поэтому при тональной моделировке прежде всего нужно работать отношениями - от самого светлого через полутона к самому тёмному, соотнося силу тонов, приводя рисунок к целостному решению.

В процессе работы над рисунком следует чаще отходить от него на расстояние, это способствует видению формы в целом.

После изображения формы губ в трёхчетвертном положении следует их порисовать линейно-конструктивно в различных ракурсах и сделать наброски в свободном расположении (рис.22а.б).

По мере усвоения рисунка гипсовой формы можно перейти к рисованию живой натуры (рис.23). Это позволит лучше усвоить учебный материал, понять и осмыслить закономерность строения формы губ. При этом внимательно следите за изменением её при различных движениях. Губы являются одной из наиболее динамичных форм, способны видоизменяться, выражая максимальный диапазон эмоций.

Рис. 22

Рис. 22

Рисунок губ Рис. 23.jpg
Рисунок губ Рис. 24.jpg
Рисунок губ Рис. 25.jpg
Рис. 22. а. Линейно-конструктивное построение формы губ в различных положениях

Рис. 22. а. Линейно-конструктивное построение формы губ в различных положениях

Рис.22.б. Наброски губ в свободном изображении.jpg
Рис. 23 - Рисунки губ живой натуры.jpg

Рис. 23 - Рисунки губ живой натуры

а

а

б

б

в

в

г

г

д

д

е

е

Рис.24 - Последовательность выполнения рисунка губ с гипсового слепка

Рис.24 - Последовательность выполнения рисунка губ с гипсового слепка

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Читайте также:

Поддержи проект!

Одна «чашка кофе» поможет существовать проекту целый месяц! Если вам нравится рисование, и наши статьи оказались вам полезны, поддержите нашу школу рисования!

Paypal:

paypal.me/ghenadiesontu

Яндекс.Деньги:

4100116350573968

Хочу научиться рисовать. С чего начать?

Существует стереотип, который утверждает, что далеко не каждый может стать художником. Но это не так, ведь научиться рисовать может любой человек, стоит только приложить должное количество усилий.

К сожалению, большинство молодых художников совершают одни и те же ошибки в пору своей неопытности. Чтобы помочь вам их избежать, мы продумали для вас программу "Академический рисунок" которая построена по принципу «от простого к сложному» и содержит базовые этапы в формировании художника. Прислушайтесь к ним, ведь каждый художник проходил через этап «граблей», поэтому эти советы – не что иное, как накопленные знания на чужом опыте.

Что это?

Это курс по академическому рисунку, разработанный на базе программ ведущих художественных ВУЗов. Освойте азбуку любого художника - академический рисунок карандашом.

Срок освоения каждого из описанных ниже этапов программы "Академический рисунок" зависит от индивидуальных способностей учащегося. Продолжительность обучения зависит от поставленных самим учащимся целей и задач. К примеру, для поступления в вузы требуется уметь рисовать гипсовую голову - или фигуру человека, тогда как для поступления во многие художественные училища достаточно уметь рисовать геометрические фигуры.  

С чего начать?

1.Стартовый рисунок. (нулевой этап)

В лучших традициях старых академий, ученик на первом этапе копирует «оригинал» учебного рисунка

Овладение методикой рисования с натуры:
- принципы построения
- законы светотени.

Рисование+бытовых+предметов.+Рисование+натюрморта+2.jpg

2. Геометрические фигуры

Овладение навыком рисования геометрических фигур (куб, призма, цилиндр, шар и т.д.). Чередование длительной работы над постановкой из нескольких фигур и работы над набросками одной фигуры.

Геометрические фигуры.jpg

3. Натюрморт в технике гризайль

Овладение навыком рисования натюрморта в технике гризайль (монохромная акварель). Гризайль необходима как переходный этап для овладения приемами работы многослойной полноцветной акварелью.

Натюрморт в технике гризайль.jpg

4. Розетка.

Овладение навыком рисования розетки. Розетка – это мотив орнамента в виде лепестков распустившегося цветка или нескольких листьев.
Работа над переменной пластикой формы розетки.

akademicheskiy-risunok-rozetki.jpg

5. Натюрморт в технике акварель.

Овладение навыком рисования натюрморта в технике акварель, начиная с простых постановок, переходя к более сложным натюрмортам.

Натюрморт в технике акварель.jpg

6. Части головы (гипсы)

Овладение навыком рисования частей античной головы (гипсов): глаз, нос, ухо, губы
Изучение анатомической пластики частей головы человека.

Части головы гипсы.jpg

7. Экорше.

Овладевание навыком рисования экорше (гипс).
Экорше – это учебное пособие: скульптурное изображение головы (фигуры) человека, животного, лишённое кожного покрова, с открытыми мышцами.

Экорше.jpg

8. Античные головы (гипсы)

Овладение навыком рисования античных гипсов (Антиной, Венера, Сократ, Вольтер, Сириянка и т.д.). Изучение анатомической пластики головы человека.

Уроки+академического+рисунка+в+Haife.jpg

9 Части фигуры (гипсы).

Овладение навыком рисования частей античной фигуры (гипсов): кисти, стопы.
Изучение анатомической пластики частей фигуры человека.

рисование частей античной фигуры кисти, стопы.jpg

10. Торс и фигура человека

Овладение навыком выполнять гипсовые торс и фигуру.
Изучение анатомической пластики фигуры человека.

Торс и фигура человека 1.jpg

Если Вы хотите обучаться живописи и рисунку, получая удовольствие от занятий, и при этом добиваться отличных результатов, то добро пожаловать на мои занятия!

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543

Длительный рисунок или краткосрочные наброски и зарисовки. В чем разница?

Обучение академическому рисунку.jpg

Обучение академическому рисунку строится на основе изучения натуры, закономерностей строения природных форм и передачи изображения на плоскости. Мастера эпохи Возрождения утверждали, что лучший учитель — это рисование с натуры, так как именно рисуя с натуры, мы учимся наблюдать и сознательно воспринимать окружающую действительность. Академический рисунок складывается из двух видов деятельности: длительного рисунка и краткосрочных набросков и зарисовок.

Длительный рисунок — сложный процесс, требующий определённой и строгой методической последовательности в работе над натурной постановкой, а также параллельного изучения таких дисциплин как перспектива и пластическая анатомия.

При работе над длительным рисунком выделяют несколько общих последовательных этапов:

Обучение академическому рисунку в Израиле.jpg
  1. Композиционное размещение изображения на плоскости листа. Компоновка — является наиболее важным этапом, на котором нужно провести предварительный анализ натурной постановки. То есть, внимательно изучить натуру с разных точек зрения, отметив её характерные особенности, пропорции, движение, освещение. На данном этапе необходимо определить общий характер постановки, расположение предметов в пространстве и их соотношения друг к другу.

  2. Конструктивный анализ формы предметов и их пропорций. Построение формы натурных предметов ведётся последовательно от общего к частному, от больших форм к деталям. Этот длительный этап, требует внимания, умения рассуждать, сравнивать предметы или объекты между собой и грамотно применять на практике знания по перспективе, анатомии.

  3. Моделировка формы средствами светотени. Выявление объёма, материальности предметов, освещения и пространства происходит с помощью тона и воздушной перспективы. На данном этапе также необходимо соблюдать последовательность в работе. Только после того как найдены верные тональные отношения больших масс предметов возможна проработка деталей.

  4. Обобщение и завершение. Заключительный этап работы над рисунком не менее ответственный в сравнении с предыдущими этапами. Придание рисунку цельности, обобщение деталей, подчинение второстепенного главному, выделение композиционного центра, требует внимательности, вдумчивости и знаний оптических законов зрительного восприятия.

Портрет. Фигура человека.jpg

Практический опыт показывает, что строгое соблюдение последовательности работы над натурной постановкой позволяет успешно выполнить задачи академического учебного рисунка. Нарушение этапов работы над рисунком неизбежно ведёт к ошибкам и снижению качественного уровня учебной работы.

Рисование с натуры — это не механическое копирование, а осмысленное изучение натуры, которое требует рассуждения и анализа. «Художник, как и учёный, познавая мир, обобщает результаты своих наблюдений, ищет закономерное в природе. Достаточно вспомнить исследования Леонардо да Винчи, Дюрера и многих других художников эпохи Возрождения».

Таким образом, наблюдательность, мышление, терпение и усидчивость, глазомер, координация руки вырабатывается при длительном штудировании натуры.

рисунок наброски и зарисовки в израиле.jpg

Наброски и зарисовки — важный этап обучения, выполнение которых должно быть регулярным. Краткосрочные наброски ускоряют процесс усвоения умений и навыков рисования с натуры, приучают быстро мыслить, улавливать характерные особенности натуры, а также развивают наблюдательность и композиционное мышление. Использование различных материалов при выполнении набросков, таких как, кисть, перо, тушь, фломастер, уголь, сангина и др., различных сортов бумаги позволяет освоить различные технические приёмы их применения, и создают условия для творческого эксперимента.

рисунок наброски и зарисовки в израиле 2021.jpg

Тематика набросков разнообразна и зависит от учебных задач. Обычно содержание набросков соответствует теме длительного аудиторного рисунка либо наброски и зарисовки выполняются в качестве подготовительного материала для композиции. Особая роль отводится наброскам на пленэре, который даёт больше творческих возможностей для решения учебных задач. Практически все художники различных эпох выдающиеся и малоизвестные выполняли наброски. К примеру, Серов В. А., Репин И. Е., Дейнека А. А. и многие другие всегда при себе имели альбомы для набросков. Терентьев А. Е. считал, что «успешное осуществление педагогического рисования в значительной степени зависит от умения профессионально выполнять наброски», и советовал завести «карманный альбомчик» для набросков. Ежедневное выполнение набросков — это также поддержание в форме профессиональных умений и навыков. Ченнино Ченнини в своём трактате о живописи писал: «Постоянно, не пропуская ни одного дня, рисуй что-нибудь, так как нет ничего, что было бы слишком ничтожным для этой цели; это принесёт тебе огромную пользу». Таким образом, можно сделать вывод о том, что академический рисунок постигается путём упорного длительного штудирования натуры, поддержание в «форме» изобразительных умений и навыков и их самосовершенствование требует постоянной творческой работы, серьёзная подготовка необходима не только художникам-профессионалам, работающим творчески, но и учителям изобразительного искусства, которые передают достоверные знания, умения и навыки подрастающему поколению.

рисунок наброски и зарисовки.jpg

Многие художники-профессионалы занимались педагогической практикой, яркий пример тому Чистяков П. П., который был прекрасным художником и блестящим педагогом, воспитавшим плеяду известных русских художников, которые в свою очередь являются показателем его уровня педагогического мастерства. «Учитель не имеет права быть специалистом-ремесленником, усвоившим некоторое количество технических приёмов рисования и лишь поверхностно знакомым с изобразительной деятельностью. Он должен быть настоящим художником, умеющим вполне профессионально и действительно творчески подойти к процессу создания рисунков и наглядных пособий».

Хотите начать обучение?

Как делать быстрые зарисовки людей с натуры?

Как придать рисунку объем и ощущение света?

Как добиться сходства самыми простыми методами?

Как начинать и завершать отточенный портрет?

Как передать и внешность и характер человека?

Свяжитесь с нами!

Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/